Emociones Desconocidas

Buster Forever

2008-07-18T17:21:00.011-03:00

Nota: este articulo correponde a la proyeccion del sabado pasado pero debido a que el organizador se tomo un "Sabado sabatico" dejo la publicacion en manos de su mascota, Chispita (un chimpancé amante del café) el cual se acordó recien hoy del articulo mismo.

"El Michelangelo de la comedia silente", (como lo llamaban) tuvo su reconocimiento en los años '40 cuando apareció en películas de clase A tanto como B y hacia el final de esa década, el publico joven lo descubrió en grandes films como "Sunset Boulevard" (1950), "La vuelta al mundo en 80 días" (de 1956 y donde compartió cartel con el cómico mexicano Cantinflas), "It's a Mad, Mad, Mad, Mad World" (1963) y "A Funny Thing Happened on the Way to the Forum" (de 1966, la que sería su ultima actuación).
Fue en 1952 cuando junto con su gran "rival" Charles Chaplin protagonizo una escena de "Candilejas" (Limelight), que en el día de hoy es mas que una escena, mas bien la reunión de dos capo cómicos a quienes la vida les jugo malas pasadas, y que mejor forma de demonizar esas jugarretas del destino que rememorando sus años de vaudeville.
Keaton siguió apareciendo en films como protagonista así como en cameos y hasta tuvo su propio show de TV (The Buster Keaton Show) el cual el mismo se ocupo de dar de baja debido a que no podía crear nuevos gags cada semana. Incluso llego a aparecer en comerciales de cerveza recreando viejos gags.
En 1965 se reunió junto al escritor Samuel Beckett quien le propuso interpretar el personaje principal en un corto que un principio se iba a titular "O" pero que luego cambio su titulo al mas sencillo "Film". Es este film que carece de diálogos y sonido, en donde podemos ver a un Keaton despojado de todos sus recursos cómicos, mostrando lo mas oscuro de Beckett y a su vez dejándonos perplejos durante 18 minutos, y quien sabe, puede también servir como epitafio.

Buster Keaton falleció a causa de cáncer en 1966, luego de filmar el musical "A Funny Thing Happened on the Way to the Forum" dirigido por Richard Lester, pero incluso en este, su ultimo film se encargo de hacer sus propias acrobacias para sorpresa y el espanto de sus compañeros de elenco.
La vida de este genio fue dura, dolió y si la comparamos con la carrera de Chaplin, la de Keaton se baso en porrazos y caídas, mientras que la del vagabundo nos trajo las primeras lagrimas en un genero colmado por risas.

"Le pregunte (a Keaton) como hacia todas esas caídas, y el dijo, 'Te mostrare'. Abrió su chaqueta y estaba lleno de cicatrices. Entonces es así como lo hace - DUELE - pero te tiene que interesar tan poco al punto que ya no te importa."

Garry Moore (presentador de TV), luego de ver un sketch que Keaton realizo a los 55 años.

Para finalizar esta suerte de revisión-homenaje de unos de los cómicos mas innovadores del siglo pasado, Sábados Cinéfilos proyecta dos rarezas que lo tuvieron como protagonista: primero un episodio de la legendaria serie de fantasía y ciencia ficción "La Dimensión Desconocida", titulado "Once Upon a Time" en donde Buster interpreta a un viajero del tiempo bastante inusual; en la segunda proyección llega "Film" un cortometraje con una trama surrealista en una de las ultimas apariciones de Keaton en film, esta vez, bajo las ordenes de Samuel Beckett. Y para cerrar que mejor forma de hacerlo que con su gran clásico indiscutido: "El Maquinista de La General" (The General), obra cumbre no solo del cine mudo, sino también del cine universal.

Once Upon A Time (Ep. 078 de "La Dimension Desconocida")

Woodrow Mulligan (Buster Keaton) es un concerje gruñon de 1890, insatisfecho con el tiempo y lugar donde vive: un pueblo pequeño llamado "Harmony" donde el precio de la carne es cada vez mas alto y las bicicletas exceden el limite de velocidad. Mulligan trabaja bajo las ordenes del Profesor Gilbert, cuyo ultimo invento es un "casco del tiempo". Aprovechando esta oportunidad, usa el casco para transportarse a 1960, en donde se sorprende cuando se da cuenta que los precios y los ruidos son mucho mayores. Alli conoce a Rollo (Stanley Adams), un cientifico que opina que 1890 debe haber sido encantador.

Rollo intenta transportarse a 1890, pero Mulligan salta sobre el y vuelven juntos.

1890 no resulta ser lo que Rollo esperaba. En cambio Mulligan se siente aliviado; enviando al quejoso Rollo de vuelta a 1960.

Desarrollado como un homenaje al cine mudo y a uno de sus principales exponentes (Buster Keaton) este episodio de La Dimension Desconocida (The Twilight Zone) que salio al aire el 15 de Diciembre, es uno de los tantos capitulos en clave comica de la serie. Como parte de este tributo las escenas en 1890 no tienen sonido, y utilizan los clasicos separadores. La historia fue obra de Richard Matheson, famoso por novelas de fantasia y ciencia ficción tales como "Soy Leyenda" y "El Hombre Menguante", dos de las cuales han sido adaptadas a la gran pantalla.

Duración: 25 min.

Origen: Estados Unidos

Dirección: Norman Z. McLeod

Interpretes: Buster Keaton, Stanley Adams, Jesse White, James Flavin.
----------------------------------------------

Film

Un film de casi 20 minutos, totalmente mudo (sin dialogos, ni musica) en donde Buster Keaton intenta evadir la observacion de un ojo omnipresente. Con esta "trama" totalmente abstracta, este corto rodado 18 meses antes de la muerte de Keaton esta basado en una idea original del escritor Samuel Beckett. Originalmente titulada "O", este cortometraje de 1965 dirigido por Alan Schneider debuto en varios teatros antes de ser concebida como la unica pelicula en donde contribuyo Beckett. Si bien su inusual narrativa puede dejar a muchos perplejos, Beckett afirmo que en "Film" coexisten dos personajes: E (de "Eye" - Ojo en inglés) y O (de "Object" - Objeto en inglés). El primero es percibido como el ojo de la camara, cuya vision es nitida, mientras que los puntos de vista de Buster aparecen en cierta forma borrosa.

Buster a las ordenes del maestro Beckett

Duracion: 17 min.

Origen: Estados Unidos

Dirección: Alan Schneider

Interpretes: Buster Keaton.

----------------------------------------

El Maquinista de La General

(The General)

La película desarrolla la historia de Johnnie Gray (Buster Keaton), un maquinista de la Western & Atlantic que tiene dos pasiones en su vida, su locomotora "La General" y su novia Annabelle Lee (Marion Mack). Cuando estalla la guerra civil, Annabelle pide a Johnnie que se aliste en el ejército sudista para luchar contra la Unión. Desgraciadamente, en el momento en que va a inscribirse no es admitido pues lo consideran más útil en su profesión de maquinista que en su posible aportación como soldado. Annabelle Lee cree que fue un acto de cobardía y decide no hablarle más a Johnnie. Un año después, Annabelle tiene que viajar porque su padre está herido, y lo hace en la locomotora de Johnnie, al que aún no habla. A mitad del recorrido un grupo de nordistas, intentando enlazarse con el ejército de la Unión en Chattanooga, deciden poner en marcha un plan que incluye el robo de "La General". Cuando llevan a cabo su huida descubren que Annabelle permanece en la locomotora y se la llevan como prisionera. Johnnie intentará recuperar el mismo su locomotora y al mismo tiempo a su amada, aunque desde el principio no lo sabe... Basada en un hecho real sucedido durante la Guerra Civil (La gran persecusion de ferrocarriles) "The General" es sin dudas el film mas personal de Keaton (comparable con "El Gran Dictador" de Chaplin con quien comparte tambien su fracaso en las taquillas), en donde conjuga una buena historia y su amor por los trenes, sin duda una de las obras maestras del cine de todos los tiempos infaltable para cualquier amante del cine.

Duración: 75 min.

Origen: Estados Unidos

Dirección: Buster Keaton, Clyde Bruckman

Interpretes: Buster Keaton, Marion Mack, Charles Henry Smith, Richard Allen, Glen Cavender.

Huir por alguien mas

2008-07-16T19:41:00.006-03:00

Tan rápido como una ráfaga de aire
Cada golpe que toca su frágil rostro
Algún hueso roto y uno que otro corte
Pasara algún tiempo hasta que sane por completo.

No hay una versión cierta del hecho
Solo mentiras y aires de grandeza, y éxito
¿Que grandeza o éxito tiene lastimar a otro
Por bronca odio o desprecio?

Me encuentro en la comodidad de mi almohada
Alguien llega sin golpear la puerta
Alguien llega con moretones y tristeza
Alguien llega con la cara deformada.
Y la mirada enferma.

Trato de averiguar y quedo desconcertado
Tanto alboroto, tanto agravio, tanto odio,
todo fue en vano
Solo una cosa queda por hacer.
Dejare que la venganza incida
Que se convierta en verdugo
Para acabar con esta mentira.
Queda marcada la hora de la partida
No quedaran huellas del que se esconde
No quedaran sueños al comenzar la pesadilla.

Tan rápido como una ráfaga de aire
Cada golpe toca su corazón roto
Algunos agujeros bastan para sacar todo
Algún agujero basta para sepultar mi odio…

En algún sitio alguien a la suerte tentó
En algún lugar el silencio todo guardo
En algún lugar el odio cobro con gozo
En algún lugar alguien huyo por otro……………

Autor: Gabriel Wilson Silva

Contacto: Optimus_g1@hotmail.com

Buster Keaton Revisitado

2008-07-03T21:39:00.012-03:00

Este fin de semana Sábados Cinéfilos sigue homenajeando a Buster Keaton, o el gran "cara de piedra" como se lo suele llamar, y como muestra del talento de este genio de la comedia clásica tendremos dos films muy pocas veces revisitados: "Seven Chances" y "Battling Buttler".
Con un par de películas exitosas en su haber, Buster continuo filmando historias en las que por momentos parecía dejar de lado esos golpes y caídas que le habían dado su apodo, y en una época en que directores y guionistas de gags se robaban ideas entre si no parecía resultar con Keaton debido a que el actor ideaba escenas imposibles que solo el podría recrear.
Keaton contrajo matrimonio con Natalie Talmaged en 1921 en el pico de su carrera pero debido a las reiteradas infidelidades por parte de Buster, la pareja se separo amargamente en 1932 con varios hijos en su haber entre ellos el pequeño Buster Keaton Jr., que junto con su padre y su abuelo Joe Keaton aparecen en "Our Hospitality", presentando de esta manera tres generaciones de Keatons.

El divorcio de los Keaton dejo a Natalie con la mayoría de la fortuna del cómico, a la vez que lo privó de todo contacto con sus hijos.

La mala fortuna en el amor y en sus producciones independientes volcaron a Keaton hacia la bebida, un largo periodo de alcoholismo del cual después admitió no recordar "absolutamente nada". Fue en este oscuro periodo que el cómico fue internado en un instituto psiquiátrico (con camisa de fuerza incluida), del cual alego haberse escapado usando trucos de sus días junto a Houdini.

Buster en una de las mejores escenas de "Seven Chances".

Pero no todas fueron pálidas para nuestro héroe porque luego de haberse divorciado de la que fue su enfermera en 1936, se caso con Eleanor Norris en 1940, la mujer que, en palabras de Keaton "salvó su vida" que lo llevo a la actuación de nuevo.
Con "The General", Keaton demostró que sus intereses artístico estaban primero, antes que el lugar en las taquillas, en una historia que ronda alrededor de su amor por los trenes (locura que había ilustrado brevemente en los primera parte "Our Hospitality") y utilizando un viejo suceso de la historia norteamericana como eje central para dar lugar a un muestrario de extraordinarios gags. Sin dudas un verdadero fracaso en ventas comparable con "El Gran Dictador" en cuanto a compromiso artístico, que le quito todo control sobre sus films posteriores. Eso si, una verdadera joya que tardó años en ser valorada y de la cual profundizaremos mas a fondo el Sábado siguiente.
La llegada del sonido al cine no afecto a Keaton, quien firmo contrato con la MGM, a la vez que el estudio decidía unirlo a otro cómico, Jimmy Durante, en una serie de películas que tuvo al dúo como estrellas principales. Estos films probaron su eficacia dándole buenos números recaudativos al estudio con títulos como "The Passionate Plumber", "Speak Easily" y la delirante "What! No Beer?".

Keaton llego a convertirse en un ídolo en Latinoamérica, mas precisamente en México donde se lo conocía como Pamplinas, de hecho muchos de las filmes realizados en MGM fueron doblados en varios idiomas incluyendo español, por el mismo Buster, una agobiante experiencia cercana a filmar tres veces o mas la misma película.
Estos problemas sumado a su lucha con el alcohol alejaron (abruptamente) al actor de MGM, para participar en films independientes europeos ("Le Roi des Champs-Élysées", "The Invader") antes de su regreso a Hollywood bajo el ala de la productora de Educational Pictures en donde saco a relucir viejos trucos de sus días de gloria en una serie de films dirigidos por el mismo, mientras con la otra mano escribía gags para los hermanos Marx.
De esta manera Columbia lo contrato a fines de los años '30 para protagonizar una serie de films (otra mas!) que probo tener éxito entre el, cada vez mas exigente publico.

Continuara el próximo Sábado...

------------------------------------------------------------

Siete Oportunidades
(Seven Chances)

Jimmy Shannon (Keaton), es un empresario que junto a su socio Billy (T. Roy Barnes) están al borde de la bancarrota, lo cual puede llevarlos a la cárcel debido a las deudas, es ahí cuando un abogado llega para darle la buena noticia de que ha heredado 7 millones de dólares por parte de su difunto padrino.
Pero en orden de conseguir este dinero (que no viene nada mal) Jimmy deberá casarse a las 7 de la tarde de su cumpleaños numero 27, o sea el día en que acaba de recibir el testamento.
En esta comedia Keaton baja un poco el decibel de porrazos y golpes característicos de sus primeros cortos en solitario para arremeter con un humor mas audaz e inteligente.

La escena en la iglesia en la que Buster se ubica en el primer lugar sin saber que cientos de mujeres esperan casarse con el es de lo mas sorprendente en cuanto a montaje al igual que la persecución.

Una lastima que su remake de 1999 (The Bachelor) no le haya hecho justicia.

Duración: 56 minutes
Origen: Estados Unidos
Dirección: Buster Keaton
Interpretes: Buster Keaton, T. Roy Barnes, Snitz Edwards, Ruth Dwyer

------------------------------------------------------------------------------------------

Battling Buttler

En esta película de 1926 Keaton interpreta a Alfred, un muchacho rico que es enviado al bosque por su padre a pescar y a cazar y de paso, hacer un verdadero hombre de su hijo. Una vez en el bosque se enamora de una chica que vive allí, pero cuando el hermano y el padre de la muchacha conocen el origen millonario de Alfred se burlan de el y lo consideran "un debilucho".
Luego de que el mayordomo del joven les hace creer de que su amo es el campeón de pesos pesado Alfred "Battling" Butler, ambos, el muchacho y su criado harán lo imposible para que esta mentira no salga a la luz.
Sin lugar a duda uno de los mejores largometrajes de Keaton inspirado en un boxeador real, con una excelente interpretación por parte de Buster y de Snitz Edwards (que interpreta al mayordomo), actor poseedor de un rostro singular, que colaboraría con el cómico en tres de sus comedias fundamentales: "Seven Chances", "Battling Buttler" y "College".

Un film que guarda cierto familiaridad con "The Kid Brother" de Harold Lloyd.

Duración: 71 min.
Origen: Estados Unidos
Dirección: Buster Keaton
Interpretes: Buster Keaton, Sally O'Neil, Walter James, Snitz Edwards.

EL SABADO 05 DE JULIO EN EL C.G.P. "PADRE JOSÉ ZINK" A LAS 19:00 Hs
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Con ferencias

2008-07-02T18:19:00.002-03:00

Hoy el reencuentro es la vergüenza
Este falso vinculo nos unió sin fuerza

Hoy no te conozco
Hoy no te conozco
Aunque somos parte de un mismo mundo
Al no tenerte cerca, sin querer
Me convierto en vagabundo.

Busco lo que nadie busca
Y nunca lo entiendo
Busco lo que no conozco
Y jamás lo encuentro

Hoy no te conozco
Aunque olvidarte añoro
Hoy no te conozco
Y cada vez que suspiro
Me doy cuenta que es todo un sueñoY que al despertar estoy solo.

Autor: Gabriel Wilson Silva

Optimus_g1@hotmail.com

Buster Keaton Vuela Otra Vez

2008-06-28T15:38:00.013-03:00

Buster Keaton se las ingenio para hacerse de un nombre entre los grandes del cine mudo, y de la comedia siempre a la sombra de Charles Chaplin y en un genero que hacia las delicias de grandes y chicos en los años '10 y '20's y que a Keaton le quedo chico por mucho tiempo.
Al igual que su "rival", Buster Keaton creció en el seno de una familia circense, junto a su padre Joe, quien mas adelante interpretaría papeles secundarios en los films de su hijo siempre con una mueca gruñona. De hecho se rumorea que en este ambiente repleto de payasos tristones y atracciones varias fue en donde el pequeño Keaton recibió su apodo "Buster", por parte del gran escapista Harry Houdini luego de sufrir una fuerte caída de la que el pequeño payaso salió ileso sin llantos ni dolor.

En 1917 el capo de la comedia "Fatty" Arbuckle lo apadrino y le cedió un papel secundario en el que seria el debut de Keaton:

"The Butcher Boy", un corto en donde el prometedor actor demostraría algunas de sus acrobacias mas frecuentes.
El éxito de estas comedias con Arbuckle en el protagónico y Al St. John serian definitivos en la carrera del cómico, quien sintiéndose seguro de si mismo decidió lanzar su carrera en solitario mientras la carrera de Fatty sucumbía bajo una falsa denuncia de violación que termino arruinando su carrera cinematográfica.
Si bien los films de Arbuckle son recordados por sus peleas de tortazos, para los aficionados a Keaton también son recordados por contener algunas de las pocas escenas en donde el cómico deja entrever una carcajada o en el menor de los casos una sonrisa; esto claro esta unos años antes de que su marca característica, esa cara de piedra con la que paso a la eternidad, se hubiera definido.
La carrera de Buster Keaton en solitario no podría haber empezado de mejor manera; luego de ver varias de sus primeras comedias, Douglas Fairbanks se sintió confiado en cederle el rol principal en "The Saphead" (el primer largometraje en solitario de Buster), una nueva adaptación de la obra "La Nueva Henrietta", de la cual Fairbanks había sido protagonista en 1913.
Esto sumado al éxito de sus primeros cortos ("One Week", "Neighbors", "Convict 13") hicieron que Keaton se decidiera por moverse a los films de larga duración.
Entre los films mas memorables y perdurables en la filmografía de Keaton se pueden contar a "Our Hospitality" (1923), un film con un trasfondo trágico debido a la muerte por infarto de Joe Roberts casi sobre el final de la filmación, actor que lo había acompañado por años interpretando la mayoría de las veces al rival de Buster.

A este le siguieron otros éxitos como "The Navigator" y "Sherlock, Jr.".

Precisamente esta ultima será la atracción principal de este sábado.
El largometraje mas corto de Keaton pero no por eso el menos logrado estuvo dirigido junto a su viejo amigo Fatty Arbuckle.
En este film Keaton interpreta a un muchacho que trabaja como proyeccionista y que en sus ratos libres es un detective aficionado. Luego de ser acusado falsamente de robar el reloj del padre de su prometida, vuelve a internarse en el mundo del cine. Todo esto sin saber que su rival (Ward Crane) le tendió una trampa para culparlo a el.

Si bien el personaje del muchacho no se siente capaz de resolver el caso en la vida real, lo resuelve cuando se queda dormido junto al proyector introduciéndose en la pantalla del cine e interactuando con los actores de la misma. Este es uno de los efectos visuales mas asombrosos en la carrera de Keaton, y también uno de sus mas grandes misterios que el director no revelo sino hasta los años '40 cuando explico como se había realizado el truco. Continuara en los próximos sábados...

Buster y Joe Roberts:rivales en pantalla, grandes amigos en la vida real.

En "The Scarecrow", junto a Luke, el perro de Fatty.

ESTE SABADO 28 DE JUNIO A LAS 19 Hs PUNTUAL EN EL C.G.P. "PADRE JOSÉ ZINK"

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

-ONE WEEK (1920) - Edward F. Cline & Buster Keaton

-NEIGHBORS (1920) - Edward F. Cline & Buster Keaton

-THE SCARECROW (1920) - Edward F. Cline & Buster Keaton

-THE HAUNTED HOUSE (1921) - Edward F. Cline & Buster Keaton

-THE PALEFACE (1922) - Buster Keaton

-----------------------------------------------------

-SHERLOCK, JR. (1924) - Roscoe "Fatty" Arbuckle, Buster Keaton

Arenas Movedizas

2008-06-25T20:31:00.004-03:00

Ya nunca será lo mismo.
Despertar siempre mirando al piso.
Abrir las cortinas, después del cortejo
Encontrar la misma cara, en el mismo espejo

Al abrir la puerta y sentir el viento
Respiro con las ganas, que me quito el tiempo
Caminar siempre por este camino
No importa hacia donde vaya
Siempre se donde termino

Donde quedo aquel sol?
Por que se marchito esa flor?

Será que todo por nada he cambiado?
Será que el puñal se volvió pecado?
O acaso hoy me persigue el pasado?

Donde quedo el amanecer?
Donde están la luna y las estrellas?
Ya no hay nada en que creer
Esto es a lo que le dicen crecer?

Hoy me encontré con una vida anterior
Hoy el concilio me brindo su perdón

Una vieja amistad, una lagrima y una sonrisa
Un saludo ,un abrazo y la misma partida
De vuelta la soledad se encuentra en mi vida
De vuelta el vacío se vuelve tesoro
De este afortunado e impotente suicida

El reloj se detuvo, el perdón nunca estuvo
Las lagrimas se secaron, no estoy sordo, aunque ya nunca escucho.

Autor: Gabriel Wilson Silva
Optimus_g1@hotmail.com

Relatos Sin Sentido Vol. 5

2008-06-18T14:54:00.003-03:00

Por las desiertas calles de la madrugada sus pasos le guiaran
Al pasar por enormes edificios y autopistas, sus manos con fuerza se cerraran.
Y así convertidas en puños, algún fantasma de su pasado golpearan.

Su rumbo incierto de exiliado bohemio, que una vez supo la existencia apreciar
De a poco se conduce hacia la locura indiferente de esta realidad.

Es una desesperada huida, una carrera desde el principio perdida.
La esperanza calida se fue volviendo de apoco una pesada piedra que fue mejor arrojar al mar.

Para que junto con su alma, puedan en el abismo descansar.

Bajo un árbol sin sombra, bajo un sol que se duerme tras el atardecer.
Bajo un cielo de estrellas muertas, junto a caminos de concreto gris.
Cada vez que llega a un pueblo, se lo ve de nuevo partir.

Su rumbo incierto de exiliado bohemio, lleva firmes sus puños, algún fantasma suelen golpear, esas frías manos, que alguna vez las lagrimas de alguien supieron secar.
En esos ojos ya no existen caminos, tampoco un pasado ni un destino, solo vagar por las tierras de nadie.

El amanecer lo suele llevar.

Que es esta persona?, que propósito lleva en su interior?
Será acaso un castigo de algún ente superior, o divino que lo maldijo con este dolor?

Es tan fácil caer en estas trampas, creer en iglesias falsas, que respuestas fáciles a todo pueden dar.

No es un castigo divino, tampoco un acertijo del destino, es tan solo un camino que todos algún día deberán recorrer.
Quizás con otro sentido, pero al final es del mismo pecado del que todos debemos ser eximidos.

Autor: Gabriel Wilson Silva
Optimus_G1@hotmail.com

Risas en el Olvido

2008-06-13T21:57:00.011-03:00

El Sábado 14 y 21 de Junio "Sábados Cinéfilos" inaugura un repaso por el cine cómico, con algunos de sus principales exponentes y otros que a pesar de ser parte fundamental en el difícil arte de hacer reír, han quedado truncados en la mente de solo algunos cinéfilos sin poder atravesar con su magia hacia publico popular (al menos de este tiempo!). Es así que Sábados Cinéfilos rinde homenaje a dos cómicos "olvidados" de la era muda. Dos cómicos que al igual que Chaplin y Keaton se hicieron de abajo (de hecho compartieron escenas con los mismos) trabajando en circos y espectáculos de vaudeville; si señores, estoy hablando de Roscoe "Fatty" Arbuckle y Harold Lloyd. El primero, "Fatty" un cómico excedido de peso dotado de una gracia increíble para las piruetas a pesar de sus tantos kilos de mas, de hecho Roscoe odiaba el apodo de "Fatty" (Gordito) y solo se lo conocía de ese modo dentro del set.
Luego de presentarse en shows itinerantes a lo largo del país, el gran Mack Sennet ficho a Arbuckle para trabajar como un miembro mas de los Keystone Cops (la troupe de policías inservibles que hacían la delicia del publico en esos tiempos pre-Chaplin). De esta manera Fatty entro por la puerta grande de la comedia actuando en docenas de films cortos junto a otra grande como Mabel Normand y el propio Sennet.

Un gran equipo: Buster, Fatty y Al St. John. Arriba junto a Chaplin.

Es en 1914 que conoce a Charles Chaplin, y se convierte en una especie de padrino del actor británico, sino hubiera sido por Fatty tal vez Sennet ni hubiera fichado al cómico en Keystone. Y de no haber sido por el gordinflón tal vez el personaje del pequeño vagabundo hubiera carecido de muchas de sus principales marcas, debido a que mucha de la vestimenta (los grandes pantalones, los zapatos de payaso e incluso, se rumorea también el bombin) que Chaplin utilizo en la primera aparición del personaje eran pertenecientes a Arbuckle.
Nacido en el seno de una familia circense de Kansas, Roscoe Conkling Arbuckle además de destacarse en el vaudeville era poseedor de una hermosa voz, al punto que el mismísimo Enrico Caruso (cantante de opera reconocido a nivel mundial) le aconsejo que dejase de hacer esas "tonterías que hacia para ganarse la vida, con un poco de practica podría ser el segundo mejor cantante del mundo". Y Fatty hizo bien en ignorar este consejo para convertirse en unos de los actores más famoso de la era silente y uno de los referentes mas temprano del slapstick.
En 1917 con "The Butcher Boy" Arbuckle le da una oportunidad a un joven cómico-promesa fichándolo para Comique (su propia compañía): Buster Keaton. En Buster, Fatty encontró a su sidekick (compañero) perfecto, y así ayudo al cómico a crear el personaje de "cara de piedra", rasgo fundamental en el personaje de Keaton, un tipo al que ni siquiera la más grande algarabía podía robarle una sonrisa. Además de Buster los films dirigidos por el mismo Arbuckle incluían una inclinación casi anárquica de destruir los sets sobre el final de los cortos y una rutina que seria su cuota en el mundo de la comedia slapstick: los tortazos!. Era extraño ver un film de Fatty sin que todo terminara a tortazos, ya sea con tortas (por supuesto) harina, agua, barro, y casi cualquier cosa que se pueda lanzar en la cara de una persona. Estos gags sumados a las fenomenales y sobrehumanas caídas de Buster, los golpes recibidos por Al St. John (su otro compañero) y las pequeñas apariciones de Luke el perro, hacían que todos los films de Fatty tuvieran risas garantizadas.

Entre los cortos proyectados este Sábado además del ya citado "The Butcher Boy" (1917) se encuentran "The Rough House" del mismo año en donde Fatty vuelve a enfrentarse al gran Al St. John. Este actor también olvidado merece una mención aparte, un actor que presentaba muecas que lo asemejan al Grinch de Dr. Seuss y que siempre pegaba uno o dos saltitos esporádicos (su principal gracia) en situaciones desopilantes. En este mismo corto también aparece una de las primeras risotadas de parte de Buster Keaton quien todavía no había forjado el personaje amargo y serio con el que se haría de una fama mundial, no solo en este film sonríe y ríe a carcajadas, sino también en la mayoría de los films dirigidos por Fatty; todo un hallazgo. Si queremos trazar la influencia que Arbuckle tuvo en Charles Chaplin tendríamos que empezar por este film en cuyos primeros minutos Fatty hace la rutina del baile con los panecillos que años mas tarde Chaplin inmortalizaría en "La Quimera de Oro".
En "Oh Doctor!" Fatty es un doctor que coquetea con una mujer sin saber que es la esposa de un estafador (Al St. John). Keaton esta fantástico como el hijo del Dr. Fatty que siempre lloriquea ante los golpes recibidos por su padre.

Y para finalizar, "Coney Island", otra de las tantas comedias de Fatty en donde el gordito se disfraza de mujer (anteriormente lo había hecho en "The Butcher Boy") esta vez la acción transcurre en el parque de diversiones de Coney Island, un lugar en donde nuestro amigo no dejara de meterse en problemas y de paso, enamorarse de la mujer equivocada. Este film contiene una escena en donde Arbuckle atraviesa "el cuarto muro", el muro que separa la realidad en una obra (ya sea de teatro o en TV) con la realidad del publico, para hacer contacto con el mismo. En la escena Fatty tiene que cambiarse de ropa, justamente para vestirse de mujer y al notar que se tiene que quitar sus pantalones obliga al camarógrafo (o a nosotros, el publico) a filmarlo de la cintura para arriba.
La risa de Fatty se apago en 1921 cuando fue el centro de un gran escándalo sexual y tal vez uno de los primeros de la farándula. Una violación y la posterior muerte de la victima (Virginia Rappe) fue objeto de tres juicios en contra de Arbuckle del cual salió airoso por faltas de pruebas. Arbuckle sin embargo no salió airoso de esta injuria que arruino su carrera al punto tal que ni la ayuda de su amigo Keaton y su exilio del mundo del cine por 10 años lograron reanimar la fama de la que supo gozar con sus primeros films.
Tortazos, caídas, golpes, persecuciones, pero sobre todo muchas risas, elemento fundamental en cualquier persona que Fatty Arbuckle supo explotar muy bien.

Fatty y el estigma del payaso triste.

-------------------------------------------------------------------------------------

Además de Fatty, el otro cómico "olvidado" al que me refería es a Harold Lloyd. El tercer gran cómico, como se lo suele posicionar (después de Chaplin y Keaton) disfrutó de mucho éxito en los primeros años del cine basándose en rutinas que encerraban gran suspenso además de risas.
Si bien es menos valorado que los dos cómicos anteriormente mencionados su popularidad fue tal que llego a producir el triple de películas que Chaplin y Keaton juntos. Comenzó con su Handsome Luke (un personaje del lejano oeste) para darle lugar al "personaje de lentes" con el que trascendería.
Safety Last! es el film por el cual Lloyd pasó a la historia gracias a la famosa "escena del reloj" en donde Harold queda suspendido de una de las manillas de un reloj en un edificio y a punto de caer al vacío. Un viejo antecedente de esta escena se puede ver en uno de sus films anteriores, "Never Weaken" en donde ya había jugado con el vértigo y las alturas de los grandes rascacielos.

Paradójicamente otro Lloyd, (Christopher) rinde tributo a esta escena en "Volver Al Futuro" en el papel de "Doc" Brown.

Harold Lloyd siempre fue muy arriesgado en sus gags, una prueba de esto es la herida que sufrió en la filmación de "Haunted Spooks" en donde una bomba supuestamente de utilería explotó en su mano dejándolo sin el dedo pulgar y el índice de su mano derecha.
Un cómico cuyos personajes eran tal vez mas optimistas que los de Keaton y gozaban de una mejor posición social que el vagabundo de Chaplin, a quien ni siquiera la devenida del cine sonoro pudo opacar, pero al cual el paso del tiempo no perdono, relegándolo a un mísero "tercer lugar".

ESTE SABADO A LAS 19:00 HS EN EL C.G.P. "PADRE JOSÉ ZINK", ENTRADA LIBRE Y GRATUITA.

Homenaje Expresionista

2008-06-04T22:16:00.009-03:00

"Vincent Malloy tiene 7 años..." "... para ser un chico de su edad es bueno y considerado, aunque solo le gustaría ser como Vincent Price".
Así empezaba un poema que un jovencísimo Tim Burton escribió en su adolescencia.

En 1982 este texto titulado Vincent, en honor a su ídolo de la infancia Vincent Price, abandono la forma de letras y rima para dar lugar a la arcilla en stop-motion.
Una historia sencilla en donde muchos de los rasgos distintivos del director más gótico se hacen presentes, entre ellos el de presentar a un personaje alienado, solitario, un outsider.
Esta también puede ser vista con cierto paralelismo entre la biografía del peor director de la historia (Ed Wood) y Burton. Wood encontró en Bela Lugosi una figura paterna así como una especie de musa inspiradora; esta misma relación es palpable en la amistad de Burton con Price de modo que incluyó al maestro del terror en su obra maestra "El Joven Manos de Tijera", en la que fue su ultima actuación en el cine.
No es raro que el Vincent Malloy del titulo comparta cierto parecido con Burton, el niño de Burbank, California alimentado a base de cine de terror clase B y cuya dieta incluía los films emblemas de la temprana Universal (Dracula, Frankenstein, La Momia) así como los de los estudios Hammer (The Quatermass Experiment, X the Unknown, Son of Frankenstein).

"El Cuervo" de Edgar Allan Poe: el pasatiempo favorito de Vincent.

El cariño y la nostalgia de Tim Burton hacia estos films subvalorados se hacen presentes en este corto de casi 6 minutos de duración. Desde el museo de cera imaginario del niño ("La Casa de Cera" - 1953, protagonizada por Vincent Price), la creación de un perro-zombie-esclavo (deudor del Frankenstein de James Whale) que seria el ingrediente principal en "Frankenweenie" (1984), su segundo trabajo para Disney; así como las referencias a otro grande del terror literario emparentado con la obra de Burton como la del viejo Price: Edgar Allan Poe.

Imaginemos por un momento la alegría de Tim Burton al contar con la voz de su héroe de la infancia como narrador de esta breve oda expresionista; el mismo año en que Price participo con un pequeño pero memorable "rap" en Thriller de Michael Jackson (otro fanatico del trabajo de Vincent).
Vincent Price falleció en 1993, pero con este corto producto de uno de sus fans mas celebres; será siempre recordado por todo fanático de lo fantástico.
Un actor con todas las letras, que paso de protagonizar films "serios" dirigidos por Otto Preminger ("Laura") y otros producidos por Joseph L. Mankiewicz ("The Keys of the Kingdom") - ambos de 1944- para pasar a la inmortalidad como un caballero de la oscuridad de 2 metros de alto y una voz profunda y oscura como la niebla de los cementerios.

"(Vincent)... fue la cosa más gratificante que me ha pasado. Fue la inmortalidad, mejor que una estrella en el Hollywood Boulevard"

Vincent Price (1911 - 1993).

Vincent

Ficha Técnica
Duración: 5 min.
Origen: Estados Unidos
Director: Tim Burton
Interpretes: Vincent Price (narrador)

---------------------------------------------------------------------------------------------------

Expresionismo made in Hollywood, decorados angulosos, sombríos personajes variopintos tapados por un halo de neblina que no alcanza para esconder el gran talento de estos actores, desde el espasmódico personaje principal (el mismo Woody Allen) pasando por la pequeña aparición de alguna estrella pop moderna (Madonna) hasta llegar a los aun mas diminutos e irreconocibles cameos de actores ahora consagrados (John C. Reilly, William H. Macy).
Tomando prestada parte de la premisa del clásico de Fritz Lang, "M - El Vampiro de Düsseldorf" (1931) el gran Woody Allen dirigió este film allá por 1992, olvidado por el publico mainstream y basado en "Death", uno de los actos pertenecientes a la obra "Without Feathers" publicado por Allen en 1972.
Además de la resemblanza con el film de Fritz Lang, la historia y el film son un pastiche de la obra de Kafka, especialmente de su novela"El Juicio".
Un estrangulador anda suelto dejando a sus espalda una serie de asesinatos sin conexión alguna, para atraparlo (y ante la ineficacia de la policía) un comité de ciudadanos decide patrullar las calles en las noches de niebla, las noches elegidas para los ataques del asesino.
Kleinman (Allen) es de todos los personajes el menos preparado para esta labor: un tipo insulso e inocente por igual, pero con un sentido del deber al cual no puede escapar cada vez que abre la boca para decir una mentira... o una verdad.
Sombras y Niebla además de haber sido un fracaso en recaudación, es uno de los films menos mencionados en la filmografía del director cada vez que se debate sobre su extensa obra.
Woody Allen logra reunir a actores de la talla de Mia Farrow (como co-protagonista), John Malkovich, Jodie Foster, Kathy Bates y John Cusack en roles que nunca opacan a su desorientado personaje de lentes.
El Expresionismo Alemán agradecido en esta película filmada en un hermoso blanco y negro, por uno de los directores mas proliferos del cine; como a Lang, Pabst y Murnau les hubiera gustado.

Sombras y Niebla (Shadows and Fog)

Ficha Técnica
Duración: 85 min.
Origen: Estados Unidos
Director: Woody Allen
Interpretes: Woody Allen, Kathy Bates, John Cusack, Mia Farrow, Jodie Foster, John Malkovich, Madonna, Lily Tomlin, Fred Gwynne, Julie Kavner, Kenneth Mars, Kate Nelligan, Donald Pleasence.

EL SÁBADO 07 DE JUNIO EN EL C.G.P. "PADRE JOSÉ ZINK" A LAS 19:00 Hs. (Entrada libre y gratuita).

I'l Be Back!!!: Volvio Capusotto

2008-06-02T19:24:00.004-03:00

En nuestra bendita Argentina nos paso de todo, por citar algunos ejemplos: Charly García le tiro un vaso de whisky a Bjork, luego de una visita al hotel de Alan Faena, los precios suben y no se dignan en bajar, los incendios forestales en Neuquén se llevaron no se cuantas hectáreas de bosques, un garron!!.
Para colmo la quema de pastizales, en el contexto del paro agropecuario, cubrió de humo Buenos Aires, parte de Santa Fé y llego hasta Uruguay, en el medio un grupo de amigos, pasea lo mas bien por la Quebrada del Cóndor, en Mendoza, se sacan una foto y upa!!!...un ovni aparece en la pantalla de su PC al bajar las fotos!. Pero no todo fue corrupción k, ni bardo en San Vicente, y aunque las cenizas del volcán chileno, el Chaiten, pululen los aires criollos, hay buenas noticias. Tan extraño como el tatuaje de Tool, en la nuca de Cristian Castro, es que la caja boba nos saque una carcajada, que no sea por ver un resumen en TVR.
Uno de los pocos programas, que me hicieron morir de risa el año pasado...aunque ahora que lo pienso!, el único!!, fue Peter Capusotto y Sus Videos, un combo mortal de videoclips, sketches, dramatizaciones, o mejor dicho "pelotudizaciones" de hechos de la cultura musical.
Es un delirio, ver desfilar por la misma pasarela, a Tentáculos Marote y John Zorn, al nuevo ídolo del rock del palo, Pomelo, y después asistir a un concierto al aire libre de Pink Floyd atizando Set The Controls For The Heart Of The Sun. Hace tiempo, que no me reía como un pelotudo, y no tengo vergüenza. Que el ex ministro Lavagna, diga por televisión que "fifaba" con Génesis, es muy bizarro, que los incidentes de San Vicente, durante el entierro de Jim Morrison en el cementerio de La Chacarita, sean provocados por imberbes como "El Negro Boy George", o "El Gordo Emerson, Lake & Palmer", conocer sus prontuarios es delicioso.
Las muertes mas copadas del rock, te hacen doler la cara de la risa. Todo tipo de ocurrencias deambulan por la mente aumentada a la décima potencia, del dúo conformado por Pedro Saborido y Diego Capusotto, es genial el capitulo sobre milagros del rock y la reencarnación de Luca Prodan (ver Perdedores Hermosos, Disco de la Semana), ex líder de Sumo, en un recién nacido. Monstruos del rock nos trae una serie de adorables engendros, como Brian Bols, el pibe con la geta de los Rolling Stones, que indignado recrimina: "A vos Jagger y a ese puto de Andy Warhol, ustedes me robaron la caripela...", o el joven manos de cordera, un darkie con la cabeza de Gustavo Cordera, en lugar de manos.
En copias malas, a veces regulares, aparecen los artistas mas diversos, documentos imperdibles que se mezclan con lo absurdo. El humor a tientas de Capusotto, sus caras, su figura despareja, nos traduce un conocimiento y amor por el arte de la música, sus miserias y noblezas, con una gestualidad que ya es marca propia. La posibilidad de reírse y descubrir en vivo, o en actuaciones impensadas, a músicos que no suenan ni por casualidad en los medios, se agradece y mucho. Desde lo barato, el programa nos catapulta en un viaje lisérgico, con pantalla verde incluida, algunos objetos y escenografia kitsh, por todas las mutaciones de nuestro anfitrión, ya sea en un cuadro de Goya, como la maja desnuda, o en la piel de Van Gogh, para arremeter en tono burlesco, a veces jodiendo y a veces en serio, contra el sistema rockero. La cuarta temporada ya esta en el aire, pero también tienen otra opción para revisar emisiones anteriores o bien ver las que se perdieron en estos días, a través claro de youtube.com.
Capusotto ha demostrado tener la creatividad intacta, la acidez justa para cada opinión, el rostro poliforme para cada idea, basta con volver a ver Todo x 2 Pesos o Chá Chá Chá, personalmente espero al iluminado que se disponga a editarlos en dvd. Sus formas han sido diferentes, pero su pelo desalineado, su desinterés frente a lo monumental, y las ganas de desmitificarlo todo, así como de dejar que lo que realmente nos conmueve, asome sin disfraz y nos saque una lagrima de risa o incomodidad, definen a un humorista sin pelos en la lengua, con una gracia que chorrea por los poros.

Un Silbido en la Noche

2008-05-28T21:01:00.009-03:00

Entre febrero y noviembre de 1929, Peter Kürten fue conocido como "El Vampiro de Düsseldorf": un asesino serial pedofilo que aterrorizaba las calles germanas en cierto paralelo con Jack El Destripador en Londres. Muchos creen que la persona de Kürten inspiro en parte al psicópata del film de 1931 "M" dirigida por el gran Fritz Lang. El mismo Lang tuvo que desmentir en varias oportunidades esta atribución. Lo que no podrá desmentir nunca es que creo una de las ultimas grandes obras maestras del (por ese entonces en vías de extinción) Expresionismo Alemán.

En Metropolis, uno de sus films anteriores y su ultima película muda, había presentado una historia ultra-futurista en la que quizás sea la primera de ciencia ficción de la historia (y la mas cara por ese entonces), en cambio con "M" deja las pautas para un tipo de cine que ni siquiera se encontraba en auge: el policial negro o cine Noir. No debe sorprender entonces que Peter Lorre quien interpreta al "monstruo" del titulo haya sido de la partida en un film tan emblemático de este genero como lo fue "El Halcón Maltes" (1941), o que el mismo Lang haya dirigido "The Big Sleep" (1946) una de las mas oscuras paginas del Noir.
La historia de "El Vampiro de Düsseldorf" hizo que Lang se ganara la censura en Alemania, con el ascendente partido nacional-socialista en crecimiento debido a que el titulo completo del film en ese país era "El Asesino esta entre Nosotros" tal vez una posible alusión al líder de esa organización, Lang cambio el titulo a "M" no por miedo a la persecución sino por que se inspiro en la escena en que la letra es marcada en la espalda del asesino: M es la inicial de Mörder o sea asesino en alemán.
La duración original del film era de 117 minutos, luego, antes de su estreno fue recortada a 111 minutos el 11 de Mayo de 1931.
"M" fue censurada definitivamente por los Nazis en 1934 y reestrenada en 1960 bajo el titulo "M - Dein Mörder sieht Dich an" ("Tus asesinos te miran a ti") esta vez con la duración de 99 minutos.
Las dos ultimas restauraciones del film fueron hechas en 2001 y la ultima, considerada como el corte final en 2003. La versión definitiva contiene un final abrupto y poco complaciente. De hecho se rumorea que de existir la parte faltante de cinta el film tendría una vuelta de tuerca que cambiaria la historia por completo.
Dejando de lados tecnicismos y duraciones, no se puede pasar por alto esta gran obra que en eclipsó los films anteriores del director alemán, en parte por ser su primer film hablado (que carece de banda sonora, salvo algunos acordes) y en parte por ser la favorita del director.

El desfile de personajes que adornan la pantalla es deslumbrante, de hecho el inspector Karl Lohmann (Otto Wernicke) gusto tanto al director que hace una aparición en la saga del Dr. Mabuse, otros actores como Gustaf Gründgens (Der Schränker) gozaron de gran éxito, en parte por su interpretación de Mephistopheles en el Fausto de Murnau y por otro lado por ser uno de los actores favoritos del partido Nazi.
Sin embargo por sobre todos ellos se encuentra el gran Peter Lorre en su debut cinematográfico cuya interpretación del impulsivo homicida te pone la piel de gallina con sus ojos acuosos y saltones al borde de la locura.

Gustaf Gründgens como Schränker

La persecución causo el exilio del director, su esposa Thea Von Harbou (guionista de varios films de Lang y de algunas obras de F.W. Murnau) y del mismo Lorre quien cargo por un tiempo con el mote de "villano".
Un relato con una narrativa peculiar (la voz en off es constantemente usada en el film), una puesta en escena que contrarresta los escenarios modernistas de Metropolis, y el que quizás sea el primer leitmotiv en el cine: el silbido de Beckert antes de cometer una fechoría ("In the Hall of the Mountain King" de Edvard Grieg) grabado por el mismísimo Fritz Lang ya que Lorre no sabia silbar.
Con "M", Lang y su esposa establecieron las pautas para las películas de asesinos aun recurrentes en nuestros días, como por ejemplo mostrarnos fragmentos de la vida diaria del malhechor; la policía siguiéndole las huellas, la prensa a la caza de un titular que pueda infundir pánico en la sociedad y por ultimo los familiares de las victimas.
Entre las anécdotas del film se encuentra una que involucra al director; supuestamente Lang empujo por las escaleras a Peter Lorre en la climática escena de la bodega con la intención de darle una apariencia agobiante mas real. Para males de Lang esto ayudo a cimentar su fama de "director alemán tirano" a la par Erich von Stroheim y Otto Preminger.
El film tuvo su remake en 1951 dirigida por Joseph Losey la cual paso desapercibida y en estos tiempos es todavía muy difícil de conseguir.
Lang utiliza esta historia macabra (la primera sobre un asesino de niños!) para hacer un mea culpa en la sociedad toda, atacando a todas las ramas de la misma; un ejemplo fehaciente se puede encontrar en la escena del juicio a Hans Beckert (Lorre) por parte de un tribunal conformado enteramente por criminales del bajo mundo (la mayoría criminales en la vida real empleados por el director). En esta escena el "vampiro" se defiende con un discurso que nos zambulle en lo profundo de su psique (y en la nuestra) en pos de encontrar nuestra propia semilla de maldad. Este discurso fue usado para propaganda Nazi en contra de los judíos (Peter Lorre era judío) como unen el film "The Eternal Jew" a manera de "demostrar" que los judíos no podían evitar cometer actos similares a Beckert y de esta manera llevaban a la raza aria a un estado deplorable y ruin.
Si quisiéramos darnos cuenta del impacto que tuvo este film en su estreno debemos remitirnos al genio de la producción Irvin Thalberg (A Night at the Opera [1935], A Day at the Races [1937]), quien reunió a todos sus guionistas y técnicos para una proyección privada del film y luego de finalizada la cinta los insto a crear historias tan innovadoras, arriesgadas, profundas y porque no comercial también como la de Fritz Lang. Incluso admitiendo que si al le hubieran traído un guión con un asesino de niños como figura central el mismo lo hubiera rechazado.

M, El Vampiro de Düsseldorf

Ficha Tecnica

Duracion: 108 min.

Origen: Alemania

Director: Fritz Lang

Interpretes: Peter Lorre, Otto Wernicke, Gustaf Gründgens,

Ellen Widmann, Inge Landgut, Theodor Loos, Friedrich Gnass.

Este Sábado 31 de Mayo a las 19:00 hs en el CGP Padre José Zink

Sueño En La Galeria Nocturna

2008-05-26T21:31:00.001-03:00

El terror modelo 2000, es una tomada de pelo, pasar por el videoclub, una perdida de tu preciado tiempo, en el cual podrías estar, limpiando la grasa que se junta, detrás de tu cocina. Extraño los días, en los que uno, podía bucear por el cable, en busca de una buena dosis de susto, seres enigmáticos, climas impredecibles y verdadero terror atmosférico, el grito envolvente de las alimañas de ultratumba.
No se guíen por las tapas de dvds, que no ocultan más que gore y moralismo estupido, producciones que dan por tierra, toda posibilidad de usar la imaginación, con imágenes súper limpias, cuidadas hasta el calambre, con aspecto de videoclip. Si la astucia del diablo, consistía en hacernos creer a nosotros, desprevenidos mortales, que no existía, eso también es parte del pasado. Ahora más bien, debe estar revelando sus planes siniestros a Paris Hilton, en algún hotel de las Vegas.
Tal vez el terror en si, sea propiedad de la realidad, de las tragedias humanas, la guerra, el hambre, las enfermedades, pero la televisión y el cine fueron capaces de implantar, como el mas perverso de los alienígenas, una sonda de verdadero terror y a su vez fascinación, en quien esto les escribe. Como niños curiosos, buscamos en la oscuridad, en lo desconocido, una cuota de sobresaltos, situaciones inexplicables, asistimos a los rituales de personajes escabrosos, provocando a estos a que vean del otro lado de la pantalla, a su próxima victima. Mi infancia, mi niñez, estuvo repleta de estos elementos, que hacían a mi desvelo, en esas noches frías de la década pasada, la cama matrimonial hacia de escondite perfecto, bajo la protección de una frasada, estaba listo para adentrarme en las tinieblas. Con el tiempo uno va creciendo, y lo que ayer era aterrador, hoy no lo es tanto, solo las buenas historias sobreviven en el imaginario, como la sugestiva y melancólica apertura de Twin Peaks, de David Lynch, la serie que le gustaba tanto a mi madre.
Pero un canal como ningún otro, supo tenerme en vilo, los famosos Sábados de Sci-Fi de la señal USA Network, con sus separadores inolvidables, imágenes fantasmagóricas en movimiento, como si el pintor Edward Hopper las hubiera filmado, pensando en la calma de la Norteamérica de los noventa.
En esta señal, uno podía disfrutar de una variedad de historias, algunas mas interesantes que otras, todas con adeptos seguramente, yo particularmente me sentía atraído por Los Deslizadores (Sliders), el viaje en el tiempo de Quinn Mallory (Jerry O' Connell), un estudiante de Física, que puede abrir portales a otras dimensiones, involucrando a personas de su entorno y ajenas a el, un profesor de la facultad, Maximiliam Arturo (John Rhys-Davies, el Gimli de el señor de los anillos), una compañera de estudios y a un refinado cantante de orquesta. Así pasaban, El Hombre Del Pantano, Cuentos De Ray Bradbury, o Pueblo Siniestro (American Gothic), donde la trama se desarrollaba en el condado de Trinity, un poblado inmerso en lo profundo de los EE.UU., donde la ley es inflingida por un cínico Gary Cole, en la piel del perverso comisario Lucas Buck, con un secreto mas negro que la fosa de un cementerio, también estaban el pequeño Caleb Temple (Lucas Black), que es acosado por este, quien se presume es su semilla, son de la partida Ben Healey (Nick Searcy), un policía cómplice y cobarde y la difunta madre de Caleb, recurrente en la visiones de los protagonistas, la sucursal del infierno perdida en el mapa.

El perverso Lucas Buck y el pequeño Caleb, un vinculo sobrenatural.

Si esto me bastaba, para que anduviera con temor el resto de la semana, faltaban Alfred Hitchcock Presenta, con su peculiar cortina musical y la silueta del maestro dibujada en pocos trazos, anunciando el suspenso en blanco y negro.
A medida que las horas pasaban, el terror iba tornando más efectivo. Cabe mencionar que la ciencia ficción, era la base en muchos casos, de las propuestas de cada programa. En la actualidad suele ser todo muy grafico,con desenlaces obvios, el slasher como punta de lanza, de la mayoría de las películas que llegan nuestro país, salvo algunas excepciones, como Rob Zombie nos dicen algo mas, aun así estos tiempos no han encontrado dignos representantes.
Les hablo del terror, en todas sus formas y sensaciones, el desasosiego de estar perdidos en un planeta desértico, y luego de la lucha a muerte por la supervivencia, descubrir una carretera interestatal. La atracción y repulsión, por una bella joven que viene de las profundidades, que oculta sus colmillos bajo una espesa niebla. Rod Serling, guionista y productor, nos introdujo en sus relatos, primero con la archiconocida Dimensión Desconocida (The Twilight Zone), a finales de los 50's y luego a partir de 1970 con la increíble Galeria Nocturna (Night Gallery), que recordaran por una parodia de Los Simpsons, en sus especiales de halloween. Diabólicas muestras de ficción, sobre muñecas malditas, magia vudú y demás rarezas, presentadas por Serling a modo de galería de arte, donde cada pintura cobra vida.

El mundo de las pesadillas, segun la mente de Rod Serling.

En materia de influencias, estas producciones iniciaron a directores como, Steven Spielberg, quien dirigió el segundo capitulo, del piloto de Galería Nocturna, "Eyes", quien años mas tarde nos traería sus Cuentos Asombrosos (Amazing Stories). Otro grosso que incursiono en estos Sábados escalofriantes, fue David Cronenberg, con el episodio "Faith Healer", en uno de los platos fuertes de la medianoche, Viernes 13, La Serie, (Friday 13th, The Series), una tienda de antigüedades, un cofre para resguardar al mundo de objetos poseídos, una herencia pesada de llevar. Lewis Vendredi era el siniestro tío, de Ryan Dallion (John D. LeMay) y Micki Foster (Robey), dos primos que quedaron a cargo del local Vendredi's Antiques. La mercancía maldita, fruto de un pacto satánico, llevado a cabo por este pariente, yacía en manos ajenas, con el peligro que traía para el poseedor y sus posibles victimas. Con la ayuda del sabio Jack Marshak (Chris Wiggins), se disponen en cada episodio a recuperar los objetos diseminados.

La naturaleza de esta serie, bastante oscura y violenta, con justificación, sigue siendo atractiva, cada capitulo nos mostraba, el poder oculto de lo inanimado. La codicia, la vanidad, la venganza o la simple perversión, eran los motores que impulsaban a los personajes, incluso a los mismos protagonistas a cometer actos inesperados.
Tanto o mas extraño, es conseguir información sobre la emisión, en nuestro pais de este especial de Sábado, que en EE.UU. se llamaba Saturday Nightmares, que se mantuvo en el aire, durante los 80's y 90's. No recuerdo el tiempo que duro en nuestro país o en el resto de Latinoamerica. Plantear el futuro de este tipo de generos, nos lleva a mirar todo lo que se esta haciendo, hay exponentes, desde Asia, (el terror japones es un tema aparte), pasando por Europa, hasta podriamos bucear en lo vhs, del colectivo Farsa Produccciones en la Argentina, con su cine b, lleno de tripas y salpicaduras.
La nostalgia me llevo a repasar el paso de USA Network por el cable, no la porqueria en que se ha convertido. Seguro este tema da para mas, es solo un reflejo de lo que se puede ver acá, donde todo pasa por Buenos Aires y se queda ahi.

Los Primos, Micki y Ryan y el viejo Jack, expedición al lado oscuro.

Patrimonio de las Tinieblas

2008-05-21T22:45:00.015-03:00

"Nosferatu... ese nombre, que suena como el lamento de un ave de rapiña.
Nunca lo menciones en voz alta...".
Ahh... que seria del vampirismo sin Nosferatu, la obra maestra expresionista dirigida por F.W. Murnau durante 1921. Y es que antes de este film la palabra "vampiro" era comúnmente utilizada para referirse a aquellos que vivían bajo el ala del hampa: los asesinos y los ladrones. Ejemplos de esto en el cine se pueden rastrear desde el año 1915 cuando Louis Feuillade entregara una de los seriales mas exitosos en Francia; "Los Vampiros", cuyo atractivo personaje principal llevaba el nombre de "Irma Vep" (un anacronismo de Vampire), hasta 1931 en "M, el Vampiro de Dusseldorf" el termino usado para referirse a Franz Becker (Peter Lorre), un asesino de niños. La historia (totalmente plagiada del clásico de Bram Stoker) sustituye el nombre del conde Drácula por el de Orlock: un ser pálido con cara de rata que no parpadea durante todo el film. Con este film Murnau, tal vez "sin querer queriendo" creo al primer villano-monstruo del cine. No es que antes no hayan existido seres horripilantes en el cine, sino que el personaje de Orlock es casi como una marca registrada del terror mas fino, que luego a Tod Browning le serviría como modelo para el estirado Drácula de Bela Lugosi.
Desoyendo las amenazas legales de la viuda de Stoker, Murnau creía que la obra del vampiro chupa sangre podía impregnar de terror al publico, tan sensible en ese entonces a diferencia del actual. Para llevar a cabo esa tarea recluto a un actor de la compañía de Max Reinhardt: Max Shreck (el apellido Shreck significa miedo!!), un actor feo por naturaleza a quien le basto solamente de unas prótesis en las orejas y la nariz para asustar a generaciones.

La Trama

El film comienza "supuestamente" narrando la crónica de la gran mortandad en Wisborg en el año 1838 a causa de una plaga desconocida. Luego se nos presenta a un agente inmobiliario, Hutter (Gustav von Wagenheim), quien se embarca hacia el castillo del Conde Orlock (Max Shreck), un ermitaño que causa el terror en los pueblerinos con la sola mención de su nombre (y nosotros sabemos por que, je je je!) para cerrar un trato. De ser así el conde seria vecino de Hutter ya que el conde esta interesado en una de las propiedades aledañas a su caserón. Mientas disfruta de la extraña presencia y cordialidad de Orlock, Hutter accidentalmente se corta el dedo lo cual causa que su anfitrión se relama casi por instinto y sin esconder sus intenciones, en una de las primeras manifestaciones de su condición vampírica. Al despertar el agente nota una mordida en su cuello pero la pasa por alto. Cuando se da cuenta que Orlock no es un humano normal, gracias a extrañas costumbres como la de dormir en un ataúd, Hutter se horroriza mientras que el conde emprende viaje hacia Bremmen. Mientras los tripulantes de la embarcación en donde viaja el Conde súbitamente mueren a causa de la ya mencionada plaga, nadie sospecha de que el pálido polizón es el causante. La noticia de la plaga se esparce por toda la ciudad causando pavor, ahí es cuando la amada de Hutter, Ellen (Greta Schröder) sabe casi telepáticamente que el terror viene de otra parte.
La única forma de terminar con este mal es que una mujer de corazón puro se entregue a las fauces del vampiro cuando los primeros rayos del sol se cuelen por las ventanas y de esta manera terminar de una vez por todas con su reinado maligno.
El film se enriquece en imágenes preciosamente espeluznantes, como el despliegue de sombras por parte del vampiro reptando por toda la casa o la mirada fija a la cámara después de clavar sus colmillos a una de sus victimas; frases matadoras por parte del Conde: "Esa es su esposa? Lindo cuello...". E incluso en algunas de las primeras escenas filmadas en primitivo stop-motion (la del carruaje).

Si bien todo en la película es perfecto un pequeño detalle se le paso a Murnau al filmarla, el conde (como todo vampiro que se precie de serlo!) es vulnerable a los rayos solares, sin embargo en una parte del film se lo puede ver cargando su féretro en un hermoso día de sol. Este error fue "arreglado" en las versiones mas nuevas, las entintadas en donde el fondo aparece pintado de azul con el fin de que parezca la noche.

Mención aparte a Shreck cuya interpretación tan natural llego a sembrar el rumor de que realmente era un vampiro. Este fue el punto de partida para la historia del film "La Sombra del Vampiro" (2000) en donde Willem Dafoe interpreta en plan casi-cómico al horrendo actor y John Malkovich hace lo suyo en el papel de Murnau.

Con Nosferatu, Murnau llevo a cabo uno de los robo mas grandes de la historia del cine; robo que en cierta forma fue arreglado en recientes copias de la cinta, llegando a cambiar el nombre de los personajes por los de la novela de Stoker. De esta manera Hutter pasa a ser Johnatton Harker, su esposa Ellen, Mina y el conde en vez de Orlock, Drácula; sin olvidar el poco protagonismo que se le da al científico Van Helsing.
El personaje de Shreck eclipso a su mismo actor quien además de un rol en otro clásico expresionista como "Die Strabe" de Karl Grune nunca fue capaz de reponerse de la sombra del vampiro (que raro! algo parecido le paso a Lugosi). Sin embargo será siempre recordado por ponerle el rostro a un duradero personaje plagado de mitología y simbolismo que hasta el día de hoy son parte de la cultura popular y de todos los que alguna vez indagaron en el oscuro tema del vampirismo.

Nosferatu, Una Sinfonía de Horror
(Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)

Ficha Técnica

Duración: 80 min.
Origen: Alemania
Director: F.W. Murnau
Interpretes: Max Shreck, Gustav von Wagenheim, Greta Schröder, Alexander Granach, Georg H. Schnell

Buen provecho Conde!!

Expresionismo Alemán

2008-05-16T00:13:00.023-03:00

En la actualidad el cine de terror se encuentra en cierta forma en un pozo ciego del cual ninguna nueva idea parece surgir. Pareciera como si este genero estuviera falto de inspiración, el cual en épocas anteriores supo ofrecer un semillero de talentos y algunos directores ajenos al mismo se sintieron mas de una vez tentados en incursionar en el, entre ellos Roman Polanski (“Repulsión”, “El Bebe de Rosemary”) y Stanley Kubrick (“El Resplandor”).
De todos los movimientos que mas impresión causaron en las primeras décadas del séptimo arte se encuentra el cine expresionista. Un tipo de cine que encontró su base en Alemania alimentado por la herencia de artistas como Munch y Kokoshka; y donde grupos teatrales como Die Brücke venían haciendo escuela desde 1905. Si bien supo dejar una gran influencia en el cine de horror, solo algunos ejemplos como "El Golem", "El Gabinete del Doctor Caligari" y "Nosferatu" se aplacan a las características infundidas por el supuesto genero. Otros films acreditados como expresionistas como “Metropolis” (Fritz Lang) presentan elementos propias de la ciencia ficción y el futurismo mientras que "La Ultima Risa" de F.W. Murnau es un mero ejercicio del mejor Kammerspiel (o cine de cámara). Precisamente Lang y Murnau fueron los encargados de rechazar el reconocimiento que se les daba a sus producciones mas oscuras tratándolas de expresionistas, esto a pesar de que ambos se instalaron en los Estados Unidos dirigiendo películas que muy poco tenían que ver con el movimiento, como “Sunrise” (Murnau) y "Los Nibelungos" (Lang).
De esta manera el cine expresionista alemán siempre es ubicado dentro de los cánones de la cinematografía como un estilo decorativo y fotográfico de fácil identificación.
Uno podría seguir debatiendo (o discutiendo) largas horas sobre las supuestas herencias de expresionismo en épocas posteriores. Por ejemplo el cine de los años '30 con sus luces y sombras tan presentes en el cine de terror de la Universal como en el policial negro puede ser un claro descendiente de esta gama o tal vez le deba mas al caligarismo; termino derivado del famoso Doctor de Wiene en cuyos escenarios reinaba la abstracción y los simbolismos .
Pero entonces si el expresionismo no fue un movimiento de muerte temprana como es que muchas de sus características mas fieles se pueden rastrear en los encuadres del "Ciudadano Kane" de Orson Welles, en "El Séptimo Sello" de Bergman allá en los cincuenta y en las perturbadoras escenas de las obras que Hitchcock dirigió en los 60. Además de estos ejemplos hubieron otros directores como Otto Preminger, Woody Allen (quien le rindió homenaje al expresionismo en "Sombras y Niebla") David Lynch (el clima industrial de “Eraserhead”) y mas acá Tim Burton. En el oscuro Burton la presencia de la imaginaria alemana se puede vislumbrar en el maquillado Edward de "El Joven Manos de Tijera" (algo así como un nieto de Cesare, el sonámbulo del Gabinete), los decorados de Gotham City (Metropolis y sus arquitecturas avant-garde) o en el villano de la segunda entrega de Batman: Max Shreck (interpretado por el aterrador Christopher Walken) que toma prestado su nombre del actor que encarnaba al Conde Orlock en Nosferatu.

Para concluir con esta síntesis del movimiento alemán, podríamos citar a Lotte Eisner quien años atrás afirmo:
"El Expresionismo ya no vé, tiene visiones".

El Gabinete del Doctor Caligari

(Das Kabinett des Doktor Caligari) - 1919

Un hombre relata la historia de su amigo Alan y su prometida Jane. En una feria Alan conoce a un mago ambulante, el Dr. Caligari (Werner Krauss), quien viaja feria por feria presentando a un sonambulo que duerme hace 23 años, capaz de predecir el futuro: Cesare (Conrad Veidt). Cuando Alan le consulta su futuro, Cesare le pronostica que su vida solo durará hasta el siguiente amanecer. Alan es asesinado y Cesare es el principal sospechoso; esto coincide con una serie de asesinatos cometidos en el pueblo desde la llegada del Doctor y Cesare. Secretamente el doctor Caligari es un hipnotizador quien ordena a Cesare a cometer las matanzas, llegando a un sorprendente desenlace en el cual todo el film cobra un nuevo sentido.

Una de las primeras obras del Expresionismo Aleman, "El Gabinete...", es una verdadera joya del cine silente mundial; con las desparejas actuaciones de Werner Krauss y Conrad Veidt (famoso tambien por protagonizar la primer pelicula con tematica gay "Different From The Others") este relato es en parte, cuento de horror melodramatico y thriller negro.

Imagenes de "Doctor Caligari".

Atribuida a Robert Wiene, el film es obra del trinomio Röhrig-Warm-Reinmann quienes pertenecieron al grupo artistico "Sturm und Drag" (Tormenta e impulso), encargados de los decorados. Con una puesta en escena repleta de fondos angulares, maquillaje exagerado y sombras pintadas en las paredes capaz de realzar el grado de insanía, el film es el triunfo total de la estilizacion sobre la razon (desde las calles acechantes hasta los altos banquillos en donde se sientan unos personajes en una escena). Fue la primer cumbre en este tipo de peliculas y cimento el camino que años despues recorrerian otros talentos como Fritz Lang, F.W. Murnau y (el tecnico) Karl Freund ademas de servir como escuela (junto con el kammerspielfilm) para el cine negro.

El gran Conrad Veidt, esta vez sin maquillaje.

Ficha Tecnica

Duración: 74 min.

Origen: Alemania

Dirección: Robert Wiene

Interpretes: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover.

El Golem: Como Llegó al Mundo

(Der Golem, wie er in die Welt kam) - 1920

En la Praga del siglo XVI el rabino Benjamin Yehuda Loew crea una estatua en arcilla y haciendo uso de un amuleto le da vida a esta criatura. Pronunciando la palabra "Aehmet" el ser automata llamado Golem esta listo para obedecer las ordenes del rabino quien le impone como principal tarea defender a los guettos judios de la expulsion en manos de Rodolfo II. Derrotando a los perseguidores de los judios, la criatura es usada nuevamente con malas intenciones por Famulus, el ayudante del rabino, ordenandole destruir a un joven llamado Florian quien anda tras el amor de la amada de Famulus, Miriam (la hija del rabino). El Golem como si de "King Kong" se tratara, destruye todo a su paso hasta que sobre el final es detenido por la persona menos pensada.

El Golem no solo marca la apoteosis de Paul Wegener en el papel de la bestia sino como director. Luego de servir como protagonista de la auspiciosa "El Estudiante de Praga" dirigida por Stellan Rye en 1913, Wegener empezo a desarrollar el guion para esta antigua leyenda cuya primer parte fue filmada en 1915 bajo el nombre de "Der Golem". En esta primer entrega se muestra al Golem como una bestia imparable; un leviatán que no deja nada salvo a su paso. En 1917 Wegener retomaria la figura del automata con "Der Golem und die Tanzerin", esta vez creando una una especie de secuela de su film y que relata comicamente como un hombre despues de ver El Golem en el cine se disfraza del monstruo para asustar a una bailarina vecina. Esta puede ser vista como el primer intento de secuela o saga en la historia en el cine usando fragmentos de la cinta original; ambas cintas se encuentran perdidas. Solo "Der Golem, wie er in die Welt kam" puede ser vista en estos dias y suele ser (erroneamente) considerada como la primer parte de la saga, aunque fue filmada muchos años despues de la original, en 1920.

Paul Wegener (arriba)
El Golem: ¿El primer Frankenstein? (derecha)

Ficha Tecnica
Duración: 85 min.
Origen: Alemania
Dirección: Robert Wiene
Interpretes: Paul Wegener, Albert Steinrück, Lyda Salmonova,
Ernst Deutsch, Hans Stürm

Sábado 10 de Mayo

2008-05-08T16:14:00.024-03:00

A lo largo de este prematuro ciclo hemos sido testigos de algunas de las obras fundamentales del cine mudo. Esto no quiere decir que no va a haber mas cine silente en el futuro, solo que peliculas como "Lirios Rotos" o "Los Muelles de Nueva York" son de alguna u otra forma ajenas a ciertos movimientos artisticos como el Expresionismo Aleman (el cual abordaremos a partir del proximo sabado) y no responden a otras lamentablemente olvidadas tendencias como el slapstick.

En esta especie de brecha en la que separamos movimientos y generos es en donde entran los films homenaje: o sea que al final de cada especial (llamese western, cine noir o documental) se proyectara uno o dos films que hagan mencion honorifica a esos generos; este sabado es el primero de los tantos homenajes.

El cine mudo no solo es visto como una especie de reliquia, algo que veian nuestros abuelos o tatarabuelos, sino que en estos tiempos modernos son cada vez menos los realizadores que se arriesgan a bucear en esos terrenos. Entre los pocos se encuentran Guy Maddin quien desde que empezo a filmar se planteo como meta volver el tiempo atras. Ejemplos de esta nostalgia cinefila pueden ser films como "Tales from the Gimli Hospital" o su ultima aventura silente "Brand Upon the Brain!" de 2006.

Ademas de Maddin, disfrutaremos de un sentido tributo a los padres del cine: los hermanos Lumiere en un pseudo-documental realizado por un batallon de directores internacionales. Lumière & Compañía seguramente brindara mas de una alegria a cualquier aficionado al cine.

El Corazón del Mundo
(The Heart Of The World) - 2000

Dos hermanos; el enterrador Nikolai y el actor Osip (que durante todo el film interpreta a Jesús en La Pasión), están enamorados de la misma mujer, la científica estatal Anna, quien estudia el mismísimo "corazón del mundo" (la corteza terrestre). Cuando descubre que el planeta esta en peligro se da cuenta que tiene poco tiempo y debe escoger a uno de los dos hermanos, pero termina eligiendo a un rico magnate industrial, Akmatov. Mientras el corazón sufre un infarto Anna se da cuenta que no ama al millonario y en afán de salvar al mundo y a sus habitantes lucha contra Akmatov que muere estrangulado. En su esfuerzo por salvar a la Tierra, ella misma se dirige a la corteza y reemplaza el dañado corazón con su propio cuerpo. Es entonces cuando el mundo es salvado por un nuevo mensaje: Kino (Cine en la etimología alemana).
Planeado como uno de los tantos homenajes al cine mudo realizados por Guy Maddin, “El Corazón Del Mundo” esta plagado de los rasgos distintivos a los que el cineasta canadiense nos tiene acostumbrados desde 1988, como la fotografía en un granulado blanco y negro, las historias bizarras y el expresionismo, sin olvidar la composición "Time, forward!" de Georgy Vasilevich Sviridov que le brinda a la obra un toque "Eisensteineano".

Después de estrenar su premiada "La Canción Mas Triste del Mundo" (2003) la atención del publico y la critica cayo otra vez sobre su persona, aunque muchos siguen prefiriendo sus numerosos cortos antes que los experimentos en larga duración.

Guy Maddin: el hombre que nacio en el tiempo equivocado

Ficha Técnica:

Duración: 06 min.
Origen: Canadá
Dirección: Guy Maddin
Interpretes: Leslie Bais, Caelum Vatnsdal, Shaun Balbar

Lumière & Compañía
(Lumière et Compagnie) - 1995

41 directores internacionales, 52 segundos de filmación sin sonido sincronizado, un viejo cinematógrafo y cien años de historia en una producción de lo mas emotiva para cualquier amante del cine. En 1895 los hermanos Auguste y Louis Lumière proyectaron en un teatro de Lyón una muestra que cambiaria la forma de ver la vida para siempre: el cine. Con la creación del cinematógrafo no solo había nacido el séptimo arte sino que además por primera vez el mundo fue capaz de cumplir uno de sus sueños mas imposibles; atrapar el mundo en una pequeña caja.

En 1995 a cuarenta reconocidos directores se le dio la posibilidad de filmar una pequeña obra usando el primer cinematógrafo, solo que esta vez debieron sujetarse a las limitaciones técnicas que sufrieron los hermanos en sus primeros intentos. Pasando por homenajes (“La Llegada de un Tren a La Ciotat” cien años después), experimentos surreales (de la mano de David Lynch), denuncias al estado (el segmento del Español Fernando Trueba) o simples actualités (escenas corrientes de todos los días), el cinematógrafo se cierne aquí como la verdadera estrella y a su vez esto le da la posibilidad de viajar a lugares adonde los Lumière no pudieron llevarla: la muralla china (Zhang Yimou), Hiroshima (Hugh Hudson) o New York.

Lumière & Co. puede ser vista como un par de directores dándose el gusto de su vida, un grupo de niños que se regocijan con un antiguo juguete de su abuelo o tal vez un acto de justicia, a los creadores de un arte que ha madurado a pasos de gigante.

Peter Greenaway (arriba) y Jacques Rivette (abajo) juntos pero no revueltos.

Ficha Técnica:

Duración: 88 min.
Origen: Francia/Dinamarca/Suecia/España
Dirección: David Lynch, Claude Miller, Claude Lelouch, Wim Wenders, Jaco Van Dormael, Abbas Kiarostami, John Boorman, Spike Lee, Régis Wargnier, Liv Ullman, Lasse Hallström, Cédric Klapisch, Jacques Rivette, Fernando Trueba, Zhang Yimou, Theo Angelopoulos,Vicente Aranda, John Boorman, Youssef Chahine, Alain Corneau, Costa-Gavras, Raymond Depardon, Francis Girod, Peter Greenaway, Hugh Hudson, Gaston Kaboré, Andrei Konchalovsky, Bigas Luna, Arthur Penn, Lucian Pintilie, Helma Sanders-Brahms, Jerry Schatzberg, Nadine Trintignant, Kiju Yoshida, Merzak Allouache, Gabriel Axel, Michael Haneke, James Ivory, Patrice Leconte, Ismail Merchant, Idrissa Ouedraogo.

La Muerte (no) Le Sienta Bien

2008-05-07T16:19:00.033-03:00

"Los Humanos son como el polvo de la tierra"... Un clima ominoso inunda Las Puertas del Resentimiento y recorre sus altas columnas; almas descarriladas como si de ovejas fuera del rebaño se tratara y un (no menos) ominoso ente que les hará de anfitrión: Izuko.
Publicada en 2001 y escrita por el japonés Tsutomu Takahashi, Skyhigh es uno de los mangas que reavivaron mi desgastado interés hacia los comics, los cuales se habían vuelto una simple excusa para que DC comics creara de vez en cuando un nuevo superhéroe, cuyas mallas y mascara habían sido usadas anteriormente por otro personaje (solo que esta vez en colores diferentes!) Y para que editoriales alternativas que en un principio habían surgido con un perfil más independiente, como Image siguieran explotando los atributos femeninos de sus protagonistas; heroínas adolescentes con más complejos que los mismísimos X-Men. Así y todo, pareciera que el cambio siempre viniera desde la tierra del sol naciente, esto también se aplica al cine de donde aparecieron algunas de las películas de terror (o J-horror como se las denominan) mas lucidas que el cine occidental no da en años. Esto sumado a un grupo de directores que entre la belleza de la puesta en escena hasta los diferentes artilugios de la fotografía logran desde climas de alta densidad narrativa (totalmente opuesto al tratado que se le da por estas tierras) hasta los trucos visuales más grotescos y explícitos vistos en años; llámese Takashi Shimizu, Hideo Nakata o Takashi Miike. Justamente de estos dos últimos realizadores es con quienes Tsutomu Takahasi comparte ciertos paralelismos y afinidades.

El carácter principal de Skyhigh es Izuko que bien puede ser vista solo como una figura omnipresente, es a través de ella que se suceden las distintas historias (un total de 6) en forma de unitarios. Siendo la guardiana de Las Puertas del Resentimiento su deber es informar a las almas que además de carecer de cuerpo tienen tres opciones, tres reglas:
La primera es seguir su peregrinaje hasta el Cielo y luego reencarnar, quizás en un cuerpo cuyo destino sea mejor que el anterior.

La segunda opción es que su espíritu atormentado vague por la tierra como un alma en pena.
Y la ultima pero no la menos importante, es que puede cazar o matar a una persona. Pero de hacerlo su alma ira directo al Infierno, en donde sufrirá dolores que nunca imagino; Esto se aplica incluso a aquellas personas que cometen suicidio.
Si a simple vista esta puede parecer una trama bastante fácil se vuelve aun más compleja cuando nos adentramos en las vidas de las personas que llegan hasta Izuko. Si algunos creen que las historias con argumentos mas cortos pueden perder genialidad en su relato, entonces lo ganan en sus trazos, los cuales se alejan deliberadamente de las usuales formas a las que nos tienen acostumbrados los mangakas de turno. Las muertes son el punto fuerte de estos relatos que pueden ir de homicidios macabros, accidentes de tránsitos, suicidios y asesinatos sin premeditación.
Es en los relatos menos violentos como "Pigeon House" o "A Song" que la tensión puede ser comparada con los films del antes mencionado Hideo Nakata (Ringu, Dark Water), mientras que la saña de los personajes protagonistas de la terrorífica "Room 302" y la genialmente psicológica historia (en dos partes) "Face" es digna deudora de cualquier película a la Takashi Miike.
Es a través de algunos pocos flashbacks que Tsumoto usa toda su imagineria y trae a la luz una gama de personajes que brillan por cuenta propia como los gemelos desequilibrados de "Connection" cuyo pasado nos devela a una madre que murió debido al nacimiento de ambos y a un padre encarcelado hace 10 años; el "héroe" de "Hero" que inmiscuidamente filmaba a mujeres en los baños, la celosa alma suicida de "Revenge" a quien la fama de su amiga después de su propia muerte no le cae para nada bien; el guardia de seguridad de una editorial que se va a quiebra y que decide ser fantasma; o el músico frustrado que de alguna forma puede comunicarse con su amigo de banda. Todas estas historias cuentan con una estructura definida al punto de ser cinemáticas, y la mejor (en mi opinión) es la ultima: Face.

Un brazo lanzado al vacío y la búsqueda de un ser querido que se vuelve mas turbia con cada nueva pista.
Mención aparte para la versión fílmica live-action (2003) que obtuvo criticas que van desde insultos al director Kitamura hasta halagos de los mas fieles otakus (fanáticos del anime y manga) a la que, según ellos, es una de las mejores adaptaciones de un manga llevada a la pantalla. En la misma historia (de dos capítulos) además conocemos un poco mas sobre el pasado de Izuko y de un nuevo "Ogro" que viene en su reemplazo.

Una historia ilustrada que se vuelve mas disfrutable en cada cuadro como si de un capitulo de Hércules Poirot se tratara... solo que con imágenes de lo mas gore como solo el oriente puede ofrecer.

Descargas:

Skyhigh Vol. 1

Skyhigh Vol. 2

Una piba rara

2008-05-03T15:32:00.019-03:00

Los saltos de modelo/actriz a cantante son bastante frecuentes. En algunos casos unos son más fortuitos que otros.

Y en el caso de Juana Molina no solo fue fortuito si no que bastante acertado, ya que logro mayor reconocimiento del que pudo haber conseguido como actriz:
En uno de los concierto on-line que hicieron los Radiohead a fines del año pasado, en un momento se ponen a pasar varios temas, entre ellos, uno de esta chica. Por si eso fuera poco, ella hizo de telonera de nada más y nada menos que de David Lynch y Feist. Nada mal para una artista argentina, pero como nadie es profeta en su tierra, esto no le resulto nada fácil. Con una imagen bastante marcada como actriz/comediante de un programa de tv, cuando saco en el 96 su disco debut, este paso prácticamente desapercibido. "Rara" marca el primer paso (tal vez el mas arriesgado) de su carrera musical, que se afianzaría definitivamente con sus discos posteriores.

Buscá bien y no molestes o bájate Rara áca.

Las canciones de "rara" son sencillas pero potentes, mezclan lo cotidiano y lo abstracto en letras personales e intimistas. Acompañadas por sonidos llenos de energía, traen a la mente imágenes nostálgicas con toques literarios cuando se escucha la otoñal voz de esta cantautora, como la introspectiva canción que le da nombre al disco. Sin duda algo digno de escuchar bien abrigadito en esas mañanas frías y húmedas, tomándote un café o leyendo un libro.

Sábados Cinéfilos

2008-05-01T21:34:00.011-03:00

Siguiendo con el ciclo de cine (antes denominado Viernes Cinefilos!) este Sabado, mas cine silente pasara a traves de nuestras retinas y que mejor forma para volver al ruedo que con dos obras con mayusculas:

El Acorazado Potemkin
(Bronenosez Potemkin) – 1925

Después de ver “El Acorazado Potemkin” me doy cuneta de por que es uno de los films que con insistencia aparece en la lista de todo cinéfilo. Esta película dirigida por Sergei Eisenstein en 1925, ha sido un elemento, no solo de debate para cualquier aficionado amateur sino también material de estudios sobre los conflictos ideológicos. El peso histórico del film no es tan fiable como uno podría llegar a creer, lo cual no es excusa para que uno caiga encantado ante el poder de estas imágenes, el ejemplo mas fiable es la famosa escena del carrito con el bebe rodando escaleras abajo, homenajeada en películas tan disímiles como “Los Intocables” (Brian De Palma), “Brazil” (Terry Gilliam), “Star Wars: Episode III” (George Lucas) y hasta en la desopilante “La Pistola Desnuda 33⅓ - El Insulto Final”.
El uso que Sergei Eisenstein hace de la luz, las formas, los cuerpos, los primeros planos a rostros perplejos, son razones suficientes para que este film haya sido por mas de 80 años analizado ya sea por sus simbolismos como por sus citas visuales.
Al mismo tiempo esta, la segunda película de Eisenstein, forma parte de una serie de films de propaganda que dio comienzo con La Huelga (Stachka - 1924) y culmino con Octubre (Oktyabr - 1927) y La Línea General; Al conmemorarse el décimo aniversario de la victoria bolchevique, Eisenstein fue el elegido en su país para plasmar en la pantalla (en una manera casi-didáctica) el proceso revolucionario ruso, el cual le trajo unos cuantos dolores de cabeza debido a los críticos que le sugirieron al director dedicarse al montaje mas que a contar historias.
Convertido en estrella después de El Acorazado... Eisenstein no olvido con esta obra, llena de sensibilidad estética, llevar su mensaje político mas recordado: "la transformación del mundo llevada a cabo por hombres conscientes"; un mensaje que aun en estos días tiene un gran significado ideológico.

El acorazado original.

Fallecido a los cincuenta años Sergei Eisenstein, dejo en claro que su idea de cine era el "cine -puño" en oposición a su rival Dziga Vertov que insistía con el "cine-ojo", esto no le impidió ganarse el odio del mismísimo Stalin, disgustado con la segunda parte de "Iván El Terrible".
Su reestreno en 2004 no solo reavivo la flama del legado Eisenstein, sino que a su vez fue una gran oportunidad para el duo electrónico Pet Shop Boys quienes tuvieron la titánica tarea de componer una nueva banda sonora para el film que al año siguiente fue editado en un disco bajo el (obvio) titulo de Battleship Potemkin.
Para este cineasta con ambiciones de gloria, salido de la tierra de Lenin, ninguna metáfora es mas valiosa como aquella del león de piedra que cobra vida, una representación de su propia película, una obra que cobra vida cada vez que nuevos ojos la descubren.

Ficha Técnica:

Duración: 75 min.
Origen: Rusia
Dirección. Grigori Aleksandrov, Sergei Eisenstein
Interpretes: Aleksandr Antonov, Vladimir Barsky, Grigori Aleksandrov.

---------------------------------------------------------------

Los Muelles de Nueva York
(The Docks Of New York) – 1928

Una película con una trama demasiada económica, pero no por eso menos interesante: Bill Roberts (George Bancroft) es un bruto fogonero que trabaja en un buque, quien esta de franco solo por una noche, cuando por casualidad le salva la vida a la vagabunda suicida Mae (Betty Compson). En la tumultuosa taberna Sandbar hablan hasta que deciden casarse. Lo que para el fogonero es solo una aventura de una noche causada por el alcohol, para la hermosa desdichada es quizás su única esperanza de convertirse en alguien decente. Ya casados, Bill (fiel a los siete mares), deja a la infeliz rubia y se marcha; sobre el final regresa arrepentido y terminan reconciliándose.
Simple pero efectiva gracias a la forma en que el director se las arregla para llevar a cabo los diálogos e incluso las miradas.
Las interpretaciones de Bancroft, como el fogonero tosco y bravucón que se abre camino en la taberna por medio de trompadas y golpes, y la de Compson, que se muestra por momentos indiferente y seductora con su lánguido pequeño cuerpito, son de una realeza increíble, en una película filmada en el año en que el cine sonoro había dado su primer paso con El Cantor de Jazz.

Los Muelles de Nueva York de Josef Von Sternberg cuenta con algunas de las imágenes mas bellas y reales (hasta ese tiempo) llevadas al cine: el ancla cayendo en picada a los pocos minutos de comenzado el film, el traveling de la cámara adentrándonos en el turbio bar Sandbar y la misma toma en reversa instantes después mientras una pelea de borrachos cierra el cuadro, la ondulante toma del mar cuando Mae se arroja al agua, sin olvidar por supuesto, la escena en que el compinche inseparable de Bill le enciende un cigarro a el y a su chica.
Sternberg daba pistas de lo que vendría años después (fundamentalmente con “El Ángel Azul”) cuando sus trabajos con la fatal Marlene Dietrich lo consagrarían en Hollywood.
Una pelicula con actuaciones tan reales que por momentos nos olvidamos que es muda.

Ficha Técnica:

Duración: 76 min.
Origen: EE.UU.
Dirección. Josef Von Sternberg
Interpretes: George Bancroft, Betty Compson, Olga Baclanova, Clyde Cook.

Sergei Eisenstein (arriba) y Josef Von Sternberg (abajo): viejos lobos de mar.

El Extraño Mundo De David: Eraserhead de David Lynch

2008-04-28T22:17:00.016-03:00

Ruido, un ruido incesante, un barrio cerrado o una factoría, el pasado, el presente o el futuro quizá. David Lynch (Missoula, Montana 1946), es un director de cine, que siempre ha filmado, sin restricción alguna, transcribiendo fielmente sus ideas, dando forma a un universo extrañisimo, que se toma el atrevimiento de no dar explicación alguna, y muchas veces deja al espectador con la palabra en la boca. Con una familia convencional, padres tranquilos y comprensivos, David paso su infancia sin complicaciones, pero maquinando un imaginario, que deformaria la aperente normalidad de las cosas.
Todos sabemos que nuestras circunstancias, muchas veces nos llevan, a romper con cierto molde, establecido por las tradiciones, la enseñanza de nuestros primeros años, el futuro que suponen nuestros progenitores. Con un amigo, Jack Fisk (quien interpreta a uno de los personajes en Eraserhead), parte hacia Europa para trabajar con el pintor expresionista Oskar Kokoschka, pero solo duran 15 días, preferia trabajar los misterios de su tierra. Ya terminada la secundaria en Alexandria, Virginia, pasando por distintas escuelas de arte, llega a Filadelfia, Pennsylvania, para ingresar en la Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA).
Como herramientas complementarias entre si, la pintura, el dibujo, la música, sirven a David Lynch, para sacar de su mente, todo tipo de planteamientos. La experimentación en la década del sesenta, da lugar a trabajos como Industrial Symphonies, The Alphabet (68), la didáctica perversa de un abecedario que deteriora la salud, Six Men Getting Sick (66), un angustioso loop de sirena, la radiografia plástica de hombres enfermos, que engendran otros hombres enfermos. ead

The Grandmother (70), una abuela nacida de una semilla, pintura y animación cuadro x cuadro, junto con una imagen saturada, dan vida al deseo de un pálido niño. Recomiendo que consigan estas piezas, son bizarras realmente, un modelo de libertad creativa.
En 1971 David se traslado a Los Angeles, donde trabajaria en su opera prima, Eraserhead (77), ingreso al American Film Institute Conservatory, y gracias a un subsidio pudo dar el puntapié inicial, pero el proyecto se extendería unos años, debiendo buscar financiacion en varios lugares, la voluntad y ganas de filmar, dieron sus resultados. Para mi especialmente, la oscuridad representa como espacio y sensacion, mucho mas que malos augurios, maldad o todo tipo de sentimientos negativos. La mente en negro, es el pizarron donde nuestra imaginacion balbucea, plantea sin nuestro consentimiento, situaciones, miradas absurdas, ideas turbias e inquietantes, escupe las sensaciones del mundo que nos rodea a toda hora. La ciudad o poblado que habitamos, con el tiempo deja sus limites al descubierto y lo que ayer nos parecía desconocido, hoy ya forma parte de nuestra rutina, pero cuando el telón de la noche borra las percepciones, se abre el campo de juego de las alucinaciones.
Esta pintura en movimiento, que es Eraserhead, nos lleva en un viaje de silenciosa angustia, por la monótona vida de Henry Spencer (Jack Nance), una especie de empleado, que no sabemos de donde viene, donde trabaja y mucho menos si va hacia algún lugar. Un departamento inserto en un edificio, que a su vez parece embutido en una gran ciudad-fabrica, no sabemos a ciencia cierta el origen de este brumoso paisaje. Nuestro personaje vaga confuso e interactúa con su sonrisa lastimosa, con el resto de los desorientados seres, que no hacen mas que trastornarlo.
A medida que avanza la película, podemos ver como Henry asiste a una cena con sus suegros, se entera que va a ser padre, siente el fulgor interior de su vecina, nos muestra el interior vació de su vivienda, practicamente lo poco que tiene para hacer y decir sobre su presente. Esto en la mente de David Lynch se traduce de otra manera, el susurro macabro, la respiración de un lugar desértico, el día a día regido por extraños sucesos, un bebe deforme, con un llanto estremecedor y risa perversa, la paternidad tomada como normal, la mudez total de una mujer enloquecida, una niña de protuberantes mejillas, que canta en el interior de un calefactor.
Un panorama difícil de digerir, esta obra esta diseñada para el desconcierto, los elementos que la componen, el sonido fundamental y constante, las escenas en si mismas, son pequeños cuadros surrealistas, de una galería aun mas terrible, si tomamos las visiones de Henry Spencer como un cumulo de sus frustraciones y temores.
Lo interesante de todo el metraje que dura esta obra, son las secuencias que nos dejan, con la duda, de si estamos o no en una pesadilla, muchos aspectos tecnicos son geniales, no sabemos a ciencia cierta como a creado a ese engendro con rostro de ternero, la fusión de cuerpos en el encuentro de nuestro personaje con su vecina, un collage onírico en blanco y negro. Este director no es de dar explicaciones sobre sus trabajos, tal vez porque el, simplemente es un vehiculo de sus elucubraciones mas fascinantes.

Viernes? No, Sábados!

2008-04-25T03:04:00.007-03:00

Así es amiguitos! el ciclo de cine que habíamos comenzado tres semanas atrás tuvo algunos desperfectos técnicos y de comunicación (!) y por esa las puertas del C.G.P. Padre Zink estuvieron cerradas a todos los cinéfilos el ultimo viernes y lo estarán todos los viernes de ahora en adelante. Pero a no desesperar!, esto es una transición: así como las larvas secas se transforman en bellas mariposas colorinches, así como el sol del caluroso verano da paso al mas helado de los inviernos y toda esa bobada!; nuestro ciclo también cambió, pero de día!! Desde ahora será SÁBADOS CINÉFILOS y arranca el primer sábado del mes de Mayo (si ya se! el mes que viene) o sea Sábado 03 de Mayo en el mismo lugar pero mas temprano a partir de las 19:00 hs.

Esperemos que con este cambio tan radical la gente que se quedaba haciendo largas horas en el frío (debido a que el lugar no daba a basto!) pueda asistir al ciclo, así también como la que no podía por razones de trabajo o personales (incluyendo los que se quedaban viendo el resultado de "Bailando Por Un Sueño"!).
Así que mientras les digo que vayan preparando sus pupilas por que hay mucho cine por delante, también les pido disculpas por las fallas. Los esperamos... otra vez.

La Soledad En Tiempos De Neorrealismo

2008-04-21T03:54:00.017-03:00

Surgido a fines de la década del ‘40 en Italia el Neorrealismo Italiano supo captar la atención de los grandes públicos mundiales a base de relatos con una fuerte influencia del cine-ojo de Dziga Vertov, las “sinfonías de ciudad”, el cine poético de Renoir y Clair y el uso de escenarios naturales y actores no profesionales; los cuales fueron el broche de cierre al periodo de las famosas “películas de teléfonos blancos” (telefoni bianchi), muy de moda en la época de la segunda guerra mundial. Y porque "nuevo" realismo? mas que nada para destacar un punto de cambio en el cine italiano que anteriormente tuvo muchas obras con cierta connotación realista desde la etapa muda con Assunta Spina (1915) y mas acá, con 1860, de 1934. Un movimiento de pos-guerra muchas veces atribuido (erróneamente) a Roberto Rosselini y su Roma, Ciudad Abierta (1945), aunque el artífice del mismo fue un simple guionista: Cesare Zavattini (1902 - 1989); quien supo ser mas importante para las obras que los mismos directores con los que colaboro.
Tomando como referencia las palabras del critico Leo Longanesi quien afirmaba que el verdadero cine italiano solo podría nacer yendo a filmar a las calles, Zavattini plasmo esta ideología en muchos de sus guiones como en Los Niños Miran (I Bambini ci guardano) su primera colaboración con Vittorio de Sica y en 1953 en su famosa "Tesis sobre el Neorrealismo" manifestó:

"El Neorrealismo es siempre un proceso de no-diferenciación, tiende a descubrir los derechos comunes a partir de las necesidades de la vida elemental; por eso es amor a la vida, y creo que por eso protesta contra la guerra de una forma mas profunda y natural, menos política que los alemanes, los franceses y ya no hablemos de los ingleses".

Cesare Zavattini, el fundamentalista del Neorrealismo

Directores tales como Alberto Lattuada, Giuseppe de Santis, Luigi Zampas, Pietro Germi, Luchino Visconti fueron parte fundamental del Neorrealismo, incluso un joven Fellini participo en el desarrollo del mismo desde sus comienzos y algunos de sus mas conocidos films como La Strada y Amarcord muestran esa influencia; claro esta, siempre con esas bellas viñetas de explicita poesía típicas del gran director.
Pero entre todos estos directores Vittorio De Sica (el fiel colaborador de Zavattini) fue sin lugar a dudas el mas sentimental y populista, plagando la pantalla de relatos sórdidos, personajes comunes y mostrando esa Italia decadente que trataba de volver al ruedo después de la guerra y los bajones económicos.

Vittorio De Sica: honestidad brutal

Desde sus comienzos con El Limpiabotas (Sciuscià) y llegando a la fama internacional con esa joya neorrealista llamada El Ladrón de Bicicletas (Ladri di biciclette) fiel merecedora del Oscar a la mejor película extranjera. Pero es con su film de 1952, Umberto D. (uno de los últimos resplandores del neorrealismo) que brinda una de las historias mas tierna (y cruel a su vez), jamás hecha sobre la soledad y la injusticia en el otoño de la vida.Umberto Domenico Ferrari es un ex-empleado de la administración italiana a quien la jubilación no le alcanza para subsistir, para colmo de males la dueña de la casona en donde reside amenaza con dejarlo en la calle si no consigue el dinero que le debe. Solo la fiel compañía de su perro Flike y la amistad desinteresada de Maria (la joven mucama de la casa) logran hacerlo olvidar por momentos todas sus desgracias. Habiendo vendido sus libros y su reloj para conseguir dinero, intenta desesperadamente mendigar en las calles, pero su orgullo se lo impide resultando denigrante incluso par su pequeño perro.
Usando como eje narrativo el fuerte lazo afectivo entre amo y mascota, De Sica nos transmite el sufrimiento de Umberto cuando Flike se extravía y pensando lo peor va en su búsqueda a la perrera.
Es en esta escena en que De Sica muestra cierto anacronismo con su obra anterior “El Ladrón de Bicicletas”: si para un padre y su pequeño hijo la bicicleta robada es el único sustento económico en la familia, para Umberto, Flike es su único sustento afectivo ya que carece de familiares.
Carlo Battisti, un profesor de lingüística y autor del Diccionario Etimológico Italiano, interpreta a Umberto en la que es su única actuación en la pantalla grande con una entrañable lucidez y es el quien lleva adelante la acción de la película, nos calzamos sus zapatos y vislumbramos un paisaje desolador para alguien de la tercera edad, desde la manifestación de jubilados con que inicia el film hasta cuando decide internarse por decisión propia en un hospital con tal de evitar que la dueña de la casa lo desaloje.

Carlos Battisti en una de las actuaciones mas honestas del cine italiano

En estos días muy pocas películas tratan el tema de la vejez, pero seguramente ninguna será tan conmovedora como Umberto D. Entre otros films que guardan un parentesco con esta obra maestra de De Sica se pueden nombrar a Candilejas (Limelights) (1952) de Charles Chaplin, en donde el mismo Charlie es el encargado de personificar en clave confesional, a un comediante que ya no hace reír y a quien el verdadero amor llega demasiado tarde a su vida; el mismo año, Akira Kurosawa hizo lo suyo con Ikiru mas cercana al tema de la redención sin olvidarnos de Fresas Salvajes (Smultronstället) (1957) del gran Ingmar Bergman en donde usa como carácter principal nada mas ni nada menos que a otro genio del cine (delante y detrás de la cámara) como lo fue Victor Sjöström.

Manipulando nuestras emociones mas puras como si de una marioneta se tratase De Sica es capaz de hacernos pasar de la angustia a la alegría en un abrir y cerrar de ojos, fue así que con una lagrima en el corazón Vittorio De Sica dedico este film a la memoria de su padre.

Rescate Emotivo

2008-04-19T12:53:00.000-03:00

La vision de William Gibson del ciberspacio es hoy una realidad: internet. Se han creado verdaderas comunidades on-line que se rigen con sus propias reglas y resulta cada vez mas sencillo encontrar lo que uno desee: informacion, libros, musica, peliculas. Con tematicas tan variadas y de forma instantanea. ¡Totalmente gratis!.

Existe una enorme cantidad de comics que se pueden encontrar entre los foros y blogs, hay cosas que actualmente se publican o se consiguen facilmente en comiquerias. Hace poco me encontre que alguien estaba posteando en un conocido blog las obras de Robin Wood, ese guionista paraguayo que hizo historia (o la escribio) con los memorables personajes de la editorial columbia. Casí al mismo tiempo me encontre una lista de links con algunos numeros de ese Batman de la mitica editorial Novaro. Asi llegue a la conclusion de que si bien podemos encontrar comics que podemos comprar en cualquier kiosco (y por ende pagar por el), tambien podemos encontrar cierto material que unicamente se puede encontrar en internet, que algún nostalgico con buen corazón, un escaner y conexion a internet decidío compartír.

Bueno estos son los links que encontre, estan en distintos servidores.

Mi Novia Y Yo

Savarese

Martin Hel

Pepe Sanchez

BatList Novaro (Nota: Como eran muchos links decidí ponerlos en un archivo de word)

Viernes Sin Cinéfilos

2008-04-17T19:02:00.004-03:00

El día 18 de Abril por motivo de realizarse una reunión tratando el tema de las adicciones en los jovenes, el ciclo "Viernes Cinéfilos" será suspendido, de todas formas el viernes próximo (25 de Abril) volveremos con mas cine. Así que no se aflijan, hay muchos videoclubes en donde pueden alquilar estas pelis (!?) o bien asistir al ciclo Tendencias los domingos a las 18:30 hs en el Centro Cultural Alem.

Salud!

PD: A manera de disculpa les adelantamos algunos de los titulos que vendran en los proximos viernes.

El Acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein)
Los Muelles de Nueva York (Josef Von Sternberg)
La Pasión de Juana de Arco (Carl Th. Dreyer)
La Caja de Pandora (Georg Wilhelm Pabst)

Luces Aleatorias

2008-04-14T19:02:00.018-03:00

Se suceden como fogonazos, vagones de un tren fantasma, que descarrila y desaparece a la vez, guitarras voladoras, una sonoridad lograda, por la dinámica de cabezas parlantes, con antenas que no paran de capturar y escupir a través de un parlante, las impresiones de un planeta vertiginoso. Eso es lo que me gusto de Remain In Light (80)
Sobrevolando los vestigios del punk y el postpunk, o la nueva ola que arraso con un temperamento, a base de descontrol, baterias hiperquineticas, y por cierto mucho pogo, podemos ver a una banda entre tantas, cuya forma cambiaria notablemnte con el tiempo.
En 1977 Talking Heads, irrumpieron en la ruidosa escena de Nueva York, con un poppunk cerebral, David Byrne definitivamente era algo fuera de lo común, un hombre lucido, con una nerviosa forma de cantar, interrogándose así mismo, hablando en primera, tercera persona, psicoanalizando las pulsiones, los deseos, las dudas, en un espejo, donde podía estar su reflejo, tanto como el de su publico. Originalmente eran una banda de covers, The Artistics, que tocaba en Rodhe Island, estado de Providence, donde asistían a la escuela de diseño, Byrne, la bajista Tina Weymouth y el baterista Chris Frantz.
The Artistics no duro mucho, con el tiempo Tina, que asistia a sus conciertos como fan, se les uniría, para terminar de definir la idea de un nuevo proyecto.
En Mayo de 1975 nació Talking Heads, un trio que daría sus primeros pasos, sobre la gran manzana, la urbe de efervescente actividad contracultural de fines de los 70's. David Byrne traía consigo algunas canciones geniales como Psycho Killer y Warning Sing, como muestra de su material propio. Debutaron en el local de Hilly Chrystal, el famoso antro CBGB's, como teloneros de otro grupo en ascenso, The Ramones.

Jerry Harrison en guitarra fue el ultimo en sumarse a lo que seria Talking Heads 77 (77), su primer álbum de estudio para el sello Sire. Este disco, instrumentalmente esquizofrenico, tiene un tono un tanto jugueton, hay bastante diversión en sus canciones, dejando de lado la rabia punk, con lineas de bajo bien definidas, guitarras festivas, con letras mas bien ácidas, escudriñando y cantando onomatopeyicamente, sobre las contradicciones propias y ajenas, la locura del amor y la locura interior, solo asomando la nariz desinteresadamente, sobre temáticas mas complejas.
El segundo álbum, More Songs About Buildings And Foods (78), confirmo lo que el primero, decía a toda voz, pero no se tomaba muy en serio, que eran un equipo fabuloso, para la creación de buenas canciones. Un disco redondo, el bajo de Tina Weymouth empezaba a sentir los cosquilleos del funk, la bateria de su pareja sentimental, Chris Frantz, articulaba por debajo, con golpes certeros, sutiles, por momentos marciales, los acordes guia de David Byrne y Jerry Harrison, quienes corrían entre si llevando sus instrumentos, como juguetes sonicos, golpeándolos, retorciendolos, arrojándolos al aire, para retomarlos e introducirnos en un nuevo torbellino.
Desde la simple y plana portada de su disco debut, en rojo y tipografía en verde, hasta el mosaico refractario con sus figuras alargadas, podemos observar, el sedimento de influencias, elementos, mixturas rítmicas y sonoras, que evidencian un sonido renovador, impulsado siempre por fuerzas alternas, cuatro cerebros en combustión. Brian Eno como productor, había llegado para acomodar esos circuitos en descontrol. El ex Roxy Music, junto con el inteligente e irritable líder de la banda, dan rienda suelta al segundo disco con este grupo de trabajo, Fear Of Music (79).
Ya casi no quedan anécdotas de juventud, los análisis y discusiones sobre el comportamiento, dan lugar a un lenguaje urbano inquietante, una experiencia de desquicio, el clima se enrarece mas, ya no entendemos bien lo que sucede, si acaso antes teníamos una definición. La oscuridad de fabrica Eno, nos da una descarga nerviosa, provienente de la mente de Byrne, dirige la luz acusadora sobre si mismo, o sobre alguien mas, las ciudades no son amigables, y su gente correcta produce ulticaria, incluso los animales son desagradables, aunque su voz se torne confusa y salvaje hacia el final.

En el cielo, no pasan demasiadas cosas, y el mundo y nuestras circunstancias, son regidas por una entidad invisible.
Me parecía importante hacer un humilde repaso, a mi manera, sobre esta banda, para que disfruten y se le animen a este disco, cuya calidad vale la pena. Recomiendo también que lean sus letras, y sigan conociéndola como yo estoy haciendo. Bon apettit!!

Escuchá The Great Curve

Descargate el Disco de La Semana

VIERNES CINÉFILOS

2008-04-09T20:57:00.009-03:00

Viernes Cinéfilos sigue con su premisa de brindar lo mejor del cine mudo mundial, el primer viernes pasaron Edison, Lumiere, Melies, y dos obras melodramáticas por cuenta de D.W. Griffith. Este viernes llegan leyendas fantasmales e investigaciones satánicas de la mano de Victor Sjöström y Benjamin Christensen.

La Carreta Fantasma (Körkarlen) - Victor Sjöström, 1921

Esta película de 1921 basada en una antigua leyenda sueca, cuenta la historia de David Holm (interpretado por el mismo Sjöström) un auto destructivo alcohólico abandonado por su esposa e hijos, quien es ayudado por una salvacionista del ejercito. Holm rechaza toda ayuda y hace oídos sordos a un antiguo amigo quien cuenta una historia de fantasmas: la persona que muera en año nuevo sera recogida por la carreta fantasma y tomara el lugar del conductor del fúnebre carruaje hasta el año próximo cuando otra desafortunada víctima lo sustituya.

Con revolucionarios efectos especiales; entre ellos la serie de doble exposiciones (muy bien trabajadas) con las que el director representa el mundo espiritual, este film fue en su momento todo un éxito que cimento el camino para futuros realizadores suecos. Tampoco se debe dejar en segundo plano el papel que cuentan los flashbacks en esta historia que incluso incluyen flashbacks dentro de los mismos, y que llenan de profundidad a esta obra de tormentos.
Sjöström quien ya había tratado el tema de la destrucción humana y la redención en películas anteriores como Ingeborn Holm de 1913, esta impecable en su papel de borracho errante y aquí se vuelve a rodear de la actriz de esa película, Hilda Borgstrom quien interpreta a su atormentada esposa. Con interpretaciones realistas y climas seudo-gótico, Victor Sjöström dejo su influencia en el cine y directores como Murnau, Dreyer e Ingmar Bergman (quien le cedió un papel en esa obra maestra que es Fresas Salvajes de 1957) y los escenarios en el limbo de El Cadáver de La Novia de Tim Burton incluso guardan cierto parentesco con esta obra.

La Brujería A Través De Los Tiempos (Häxan) - Benjamin Christensen, 1923

Este documental (como se lo sigue denominando) cuenta en siete capítulos las investigaciones realizadas por el director danés con respecto a un tema que aun en esa época era un tabú: La brujería.

Usando recursos como antiguos representaciones graficas, litografías, maquetas e incluso actores, Benjamin Christensen nos adentra en el mundo oculto de las brujas y se centra también en el satanismo desde la antigua Persia hasta ese entonces; siempre desde un punto de vista histórico.

Un verdadero bicho raro del cine silente y difícil de clasificar a pesar de su forma de ensayo académico, Häxan se abrió camino hasta los años sesenta cuando fue reestrenada con una añadida narración en off por parte nada mas y nada menos que de William Burroughs.

Con esta obra visionaria Christensen tambien dejo ver al mundo su poder de representacion en escenarios claustrofobicos y con momentos escalofriantes como cuando grandes demonios salen del vientre de una joven que esta por dar a luz, un sabbath, jueces inquisidores y desfiles de demonios de la peor calaña. No es raro darse cuenta de la gran influencia que tuvo en los realizadores de cine surrealista.

Programa Viernes 11 de Abril:

La Carreta Fantasma (Körkarlen) 1921
Dirección: Victor Sjöström, 93 min.

La Brujería a Través de los Tiempos (Häxan) 1923
Dirección: Benjamin Christensen, 87 min.

El Pueblo de los Malditos

2008-04-09T01:03:00.005-03:00

En los mangas que hemos podido ver en argentina son pocas las historias de terror, es una lastima, ya que existen unos muy buenos comics de terror. Como los de Junji Ito, unos de los máximos exponentes del comic de terror japonés, el nos trae Uzumaki (literalmente espiral en japonés). Kirie es una estudiante común y corriente a la que su novio pronto le hace notar lo extraño que es el lugar en el que viven: Kurozu-cho, un pequeño pueblo de Japón. En cada capitulo Kirie nos narra los extraños acontecimientos en los que se ve involucrada en su vida cotidiana y que siempre giran entorno a una simple figura geométrica: la espiral.

Si bien en un principio el diseño de personajes puede parecernos simple y darnos la sensación de que es viejo, el dibujo es preciso, las imágenes son tan hermosas como impactantes y la violencia esta al orden del día. Las influencias de Ito van desde otros exponentes del comic de horror japonés como Kazuo Umezu o Hideshi Ino, pasando por la influencia que les causaron los dibujos de su hermana, hasta Yasukata Tsutsui y P.H Lovecraft.

Descargar Uzumaki

(hacer click sobre el archivo que desee bajar y luego pulsar el boton "Download This File")

En solo tres tomos, Junji Ito se vale de pocos recursos para delinear una historia. Partiendo de personajes cotidianos, los enfrenta a fenómenos paranormales alejados de cualquier explicación e inevitablemente sus vidas cambian –o terminan- en un final lleno horror. Ahí es donde aprovecha para crear verdaderas ilustraciones surrealistas salidas de las pesadillas de una mezcla entre Dalí y Lovecraft. Así en cada historia somos testigos de como poco a poco la locura se va apoderando de este pueblo, como si con cada historia se fuera cerrando una vuelta más a una espiral hasta el inminente final...

Meditando Sobre La Nada

2008-04-01T18:52:00.021-03:00

Los Abuelos De La Nada, fueron durante los 80's, una de las bandas, que mas reconocimiento tuvo, después de la vuelta de la Democracia. Su carismático líder, Miguel Abuelo, llevaba adelante una troupé delirante, rebosados de un pop eufórico, mezcla de bolero funk, rock sin compromisos, reggae, parafernalia new wave, poesía nocturna, en sus letras había ambiguedad, toques de ironía, y relaciones amorosas a la luz de la luna.
Nacido Miguel Ángel Peralta (Munro, Buenos Aires 1946), fue un niño talentoso, de una voz prodigiosa, habituado al folclore, como primer contacto musical. Bohemio por naturaleza, con una infancia un tanto dificil, no conoció a su padre, pero su alma aventurera, lo guió por muchos caminos, cultor de un lenguaje propio, sus palabras transmitían, un conocimiento instintivo del mundo.
Frecuento La Cueva hacia finales de los 60's, el refugio del rock argentino, donde conoció a personajes como Moris, Pappo, Los Gatos, Litto Nebbia, Los Beatniks, entre otros, donde bebió de ese brevaje místico, que se cocinaba en todo el mundo. Armado de algunas canciones, recluto a los músicos de lo que seria, la primera formacion, de los Abuelos De La Nada.

Miguel Abuelo y su amigo de aventuras, Pipo Lernoud, poeta y periodista.

Así grabo sus primeras canciones, Diana Divaga, Oye Niño, un mensaje a las mentes adormecidas, Mariposas de Madera, piezas artesanales, peldaños que lo llevaron hacia terrenos, en lo musical mas profundos, acompañados de una lírica surrealista, con el humor de un presentador de feria, a veces susurrando los fenómenos, objetando al hombre a dejar sus trapos mundanos, para escapar hacia otras vivencias.
Difícil era la tarea, de despabilar a los dormidos, no eran epocas felices, si de libertad estamos hablando, el clima de tensión, provocado por un avanzada de mentes creativas, pretendía que una sociedad despertara, y se sumara a la proclama del rock, por supuesto, esto a nuestros amigos de azul no les gusto.
El cansancio y las frustraciones, las formaciones efímeras, llevaron a Miguel Abuelo, a tomar una decisión muy poco feliz, el auto-exilio.
Su periplo por Europa, duro diez años, sobreviviendo como artesano, merodeo por todo el continente, España, Francia, con paradas en Suiza, pero fue en el regreso de Londres a Paris, donde conoció a un músico electrónico argentino, quien lo condujo hacia Moshe Naim, productor artístico, que había trabajado como mecenas, para el pintor Salvador Dalí.
La fascinación de este productor, de origen israelí, cual George Martín, propicio el desarrollo del disco Et Nada (1973), que en un principio fue compuesto íntegramente por Miguel, al que se le sumaron otros músicos exiliados, tanto argentinos como chilenos. Tenían todo a su disposición, horas interminables para grabar, los mejores equipos, con el paisaje de la campiña francesa de fondo, utilizando un castillo como estudio.
La banda denominada Nada, la componían Daniel Sbarra en guitarra eléctrica y coros, Daniel Rodriguez en batería, el chileno Carlos Beyris en violoncello, Pinfo Garrigo en bajo, Juan Dalera a cargo de las quenas, mas algunas programaciones a cargo del mencionado músico electrónico, Edgardo Cantor.
Un disco que me acompaña, mientras escribo estas líneas, del cual, no van a tener la oportunidad por ahora, de hacerse con una copia original, ya que nadie se ha tomado el trabajo de editarlo nuevamente, publicado solamente en Francia, ya no se consigue en ningún formato.
Es una joya, elaborada por un grupo de artistas, que unieron fuerzas en tierras ajenas, no es un disco solista como indica su portada, sino mas bien una conjunción de visiones, una nave que surcaba, por decirlo de alguna manera, el mar de la nada, una travesía que tal vez inconscientemente buscaban. A través de siete temas, estos monjes con guitarra eléctrica, nos pintan un paisaje de ensueño, se comunican con otros peregrinos, interrogando como en Señor Carnicero, o describiendo las postimetrias de un muelle, de quien sabe donde, con un trabajo vocal exhaustivo por parte de Miguel Abuelo, separando las silabas en cada oración, como si el canto fuera arrastrado, por el lento navegar de una embarcación, los coros de catedral prosiguen, llevándonos por una serie de sonidos ambiente, bocinas de barcos, el agua en los docks, una escalada progresiva, sin dudas espiritual.
La mejor pieza del álbum, Estoy Aqui Parado, Sentado y Acostado, la mas larga, dura 09:22 minutos, según mi criterio es una de las mejores manifestaciones, acerca de la condición humana, una potente declaración de principios, la certeza de un hombre acerca de su lugar en la tierra, "no tengo nombre, no tengo amigos, no tengo lenguaje, no tengo verdad, no tengo altura, no tengo dios, no tengo a nadie para llorar, este es mi cuerpo, siento a mi alma, el corazón abierto...espero al mañana en la gran ventana, el trapecio del tiempo se alejo de mi..."
Montados en una carreta, tirada a toda velocidad por la tracción a sangre, de los caballos del rock sinfónico, con la ayuda de cuerdas y vientos campestres, una forma de cantar que solo el folclore podía otorgar, similitudes con Led Zeppelin, melodías acústicas emparentadas con el Nick Drake mas ensoñador y reflexivo.
Rock latinoamericano, progresivo, folk, no se, pongan la etiqueta que mas les plazca, lo cierto es que este eslabón, que une al Miguel Abuelo de la década del sesenta, con el de su ultima década, es para atesorar.

De vez en cuando algún cometa roza los cielos, seres que nos guían de alguna manera, nos ayudan a ser un poco mas libres, porque en la nada, en ese miedo al vació, que experimentamos en nuestra soledad, también hay matices, luces que nos pueden indicar quienes somos.
Este hombrecillo irreverente, tan distinto como las refractaciones de un caleidoscopio, nos dejo un 26 marzo de 1988, a causa del h.i.v.

"Un día estando en la casa de Pappo ensayando, Pappo me dijo que quería hacer blues. ¿blues? Le dije. No bebé que vamos a hacer blues. Tengo una coctelera en la cabeza que no me banco ni yo. Una cantidad de circuitos funcionando que los quiero poner en marcha y vos, me queres poner la cabeza en el cajón del blues. Yo no soporto el blues. Me creo con capacidad y necesidad de hacer una cosa diferente. Y el loco seguía como una máquina diciendo: blues, blues, blues... Entonces le dije tomá. Te regalo Los Abuelos de la Nada, te regalo la formación y todo"

Miguel Abuelo

Escuchá "Estoy Aquí, Parado, Sentado, Y Acostado"

Descarga el Disco Et Nada

Inocencia Interrumpida

2008-04-01T03:05:00.019-03:00

"Es la película animada mas profundamente humana que he visto". Así es como la describió el historiador de animación Ernest Rister, refiriéndose puntualmente a este poderoso film oriental y comparándolo a su vez con "La Lista de Schlinder", otra película que se centra en la guerra, pero del lado de los que realmente la sufren: las victimas silenciosas y los niños inocentes.

Si en este planeta sigue habiendo gente que cree a rajatabla eso de que los dibujos animados son solo para chicos, entonces es porque nunca vieron La Tumba de Las Luciérnagas (Hotaru no Haka).

Isao Takahata, colega de toda la vida de Hayao Miyazaki y director de la muy famosa Heidi; fue el encargado de llevar a la pantalla grande esta adaptación semi-autobiografica del escritor Akiyuki Nosaka quien escribió la novela como una disculpa a su hermana. La primer película animada por los estudios Ghibli es quizás una de las mas efectivas películas anti-bélica jamás hechas, junto con otras como "Paths of Glory" del gran Stanley Kubrick o la mas reciente "El Pianista" de Roman Polanski. Es justamente en el film de Polanski en donde este film encuentra su equivalencia mas que en el film de Kubrick: nuestros ojos presencian el horror de la Segunda Guerra Mundial desde el punto de vista de los que la padecen en carne propia a la vez que tratamos junto a ellos intentar escapar a una suerte cada vez (inevitablemente) mas negra.
Seita (14) y Setsuko (4) son dos huérfanos que pierden a su madre bajo los bombardeos que tuvieron lugar en Kobe, y a su padre mientras presta servicio en el ejercito Imperial Japonés; a partir de ese momento Seita lleva a cabo una verdadera odisea junto a su pequeña hermana Setsuko dejando atrás ese infierno y en busca de un hogar. Viven por un tiempo con una indiferente tía quien los acusa de "egoístas" mientras se queda con el arroz que le corresponde a los dos hermanos. Cansados de los regaños de su cada vez mas insoportable tía, Seita y Setsuko deciden partir otra vez, para internarse en un refugio anti-bombas en donde el hambre y la enfermedad se hacen presente llevándose consigo a su pequeña hermana.

Las luciérnagas y su simbolismo forman parte del trasfondo de la triste historia. Son estos insectos los que se hacen presentes tanto en forma física como metafóricamente en el transcurso del film: los hermanos atrapan luciérnagas para iluminar el refugio donde viven, los aviones bombarderos lucen como luciérnagas (tal como lo nota Setsuko en una escena), y también la metáfora entre la corta vida de la pequeña similar a la de los insectos luminosos quienes también mueren jóvenes. Este film esta plagado de escenas que nos pueden arrancar mas de una lagrima partiendo con la muerte de Seita al comienzo de la película ("21 de Septiembre de 1945... esa fue la noche en que morí"), Setsuko llorando mientras Seita trata de distraerla haciendo alardes de sus destrezas gimnásticas, y la pálida piel de la pequeña en sus ultimas horas en contraste con la de su hermano mayor que la abraza sabiendo que todo acabo.

El Orgullo por encima de la Razón

Takahata se mostró sorprendido en una reciente entrevista al ver que la mayoría del publico simpatizaba con Seita, sin darse cuenta que sus acciones fueron las causantes de la muerte de su hermana y también la suya. Seita (el alter-ego del autor Nosaka) debe enfrentarse a mas de una decisión crucial en esta historia, una de ellas es quedarse en la casa de su tía loca y trabajar o simplemente huir. Seita elige la segunda opción. En resultado su hermanita perece. La prueba de que el orgullo de Seita es el que los lleva a su perdición.
Esta película (junto con otras como Akira y Mi Vecino Totoro ambas de 1988) volvió concentrar la mirada Occidental en el talento artesanal del cine animado Oriental, que siempre se valió mas del peso narrativo de sus historias. Su influencia sigue vigente hasta nuestros días ya sea desde una remake en live-action o en las latas de caramelos masticables Sakuma que aparecen con regularidad en el film y que en Japón se venden con una imagen de Setsuko en el frente.

Los caramelos favoritos

de Setsuko son famosos en Japón.

VIERNES CINÉFILOS

2008-03-27T01:15:00.005-03:00

Nos complace anunciar que desde el día 04 de Abril, todos los viernes a partir de las 21:00 en nuestra ciudad (Río Grande) se podrá disfrutar de un ciclo de cine que hemos dado en llamar “VIERNES CINÉFILOS”; un espacio cedido por la dirección de juventud en el C.G.P. "Padre José Zink" y organizado por este humilde blog.
En el cual haremos un repaso por la historia de este maravilloso arte que hace mas de 100 años nos transporta a mundos soñados, aventuras imposibles y que a su vez es el reflejo de nuestra propia vida.

El primer viernes trataremos de resumir los comienzos de la cinematografía y sus precursores; hombres que con la simple intención de capturar un momento fueron capaz de captar la vida misma a través de la lente. Entre ellos Louis Le Prince que con “Roundhay Garden Scene” (1888) solo le basto 2 segundos para inventar lo que ahora conocemos como cine; lamentablemente sus primeros cortos permanecen perdidos hasta la fecha junto con la misteriosa desaparición de su creador quien se esfumo de la faz de la tierra cuando se disponía a difundirlos. Siete años después el 28 de Diciembre de 1895 los hermanos Lumiere presentaron su ultimo invento: el Cinematógrafo, un aparato superior al de Le Prince y del cual este arte toma su etimología. El cine había nacido.

Mas tarde realizadores como el gran inventor Thomas Edison (Cockfight, The Kiss), y el francés Georges Méliès tomaron la antorcha dejada por los hermanos Auguste y Louis quienes en un momento habían declarado que “el cine era una invención sin futuro”. Edison, fundó el primer estudio de cine; en ese tiempo una especie de bunker bautizado The Black Maria , de donde surgieron escenas cotidianas adelantándose a la idea del documental; el otro, Méliès (mago e ilusionista de profesión) le imprimió un toque de fantasía, siendo el primero en transportarnos a mundos increíbles e incluso llevándonos a la Luna antes de que cualquier astronauta pisara la superficie lunar.
Además de los cortos mencionados anteriormente el primer día finalizara con la proyección de dos películas dirigidas por D.W. Griffith, de las cuales podrán leer las reseñas abajo.

Lirios Rotos (Broken Blossoms -1919) y Las Dos Tormentas (Way Down East - 1920)

No estaría de más decir que entre 1900 y 1920 David Wark Griffith (1875 - 1948) invento todo lo relacionado al cine. Con mas de 300 cortometrajes rodados entre 1903 y 1913, Griffith estaba listo para presentarle al mundo todas las técnicas que había desarrollado en este arte entre las que se cuentan los dramáticos primeros planos, la cámara móvil y un primordial cuidado en el montaje. Con El Nacimiento de una Nación se gano el odio no solo de la critica sino de la comunidad afro-americana al plasmar al Ku Klux Klan de una forma romántica y a los afro-americanos como bestias sin escrúpulos. Esto sin embargo no alterará nunca su lugar como pionero y muchas de sus técnicas sobrevivieron el paso del tiempo y son usadas hasta el día de hoy. Nosotros obviamos sus dos primeras obras, El Nacimiento... e Intolerancia y nos centraremos en Lirios Rotos y Las Dos Tormentas, la primera: una oda a la feminidad amenazada, alagada en gran parte por sus distintas manipulaciones en la luz y decorados, en pos de resaltar la belleza de la inmortal Lillian Gish (su musa) respaldada por una sublime actuación de Richard Barthelmess. La segunda; una adaptación de un melodrama teatral de 1890, nos brinda una historia de desamor con un ritmo narrativo eficaz y un final trepidante en donde reluce el talento de esta oveja negra del cine.

La belleza poética de Lillian Gish X 2: en Lirios Rotos (arriba) y en Las Dos Tormentas (abajo.).

Habrán muchas sorpresas cada viernes, y nos dedicaremos a hacer hincapié en películas de todos los géneros y sus mayores referentes, conocidos y no tantos: un Cassavettes por aquí, un Clint Eastwood por allá, un poco de horror, vaqueros, seres de otras galaxias, viejas glorias olvidadas, nuevos cineastas que seguirán refutando el dicho de los Lumiere, experimentos transformados en imagen y la música, siempre la música, que nunca puede faltar en nuestras vidas (incluso aquellas plasmadas en cine!), serán algunos de los tantos tópicos de esta propuesta.

Programa Viernes 04 de Abril :

Pequeña Introducción (el cine y sus comienzos)
Cockfight, The Barbershop (Thomas Edison - 1894)
Trabajadores Saliendo de La Fabrica Lumiere, The Sprinkler Sprinkled, La Llegada de un Tren a La Ciotat (Hermanos Lumiere - 1895)
El Beso (Thomas Edison - 1896)
Viaje A La Luna (Le Voyage Dans La Lune) (Georges Méliès - 1902)
Lirios Rotos (Broken Blossoms) (D.W. Griffith - 1919)
Las Dos Tormentas (Way Down East) (D.W. Griffith - 1920)

Dancing In The Dark

2008-03-25T00:56:00.013-03:00

Como se puede comentar sobre el nuevo disco de Hot Chip si ni siquiera nos reponemos de su avasallador disco anterior, The Warning. Es la pregunta que se deben estar haciendo la mayoría de los críticos, pero como yo no soy critico les puedo dar mi opinión desde el punto de vista de un simple oyente.
La banda de Londres, con las voces de Alexis Taylor y Joe Goddard al frente vuelve mas “popera” que antes, desde el primer single, "Ready for The Floor", ya uno se puede dar cuenta de la gran fiesta que nos estamos perdiendo en este nuevo Made In The Dark.
Para el disco la banda además de grabar algunas pistas en la habitación de Goddard (que les había dado buenos frutos en su disco anterior), probaron con tomas en vivo e incluso se internaron en estudios para algunas sesiones.
Lo único errado en este disco puede ser su titulo ("Hecho en La Oscuridad") ya que el álbum irradia luz en la mayoría de sus tracks. "Out At The Pictures" (que suena a unos Devo producidos por John Carpenter) marca el ritmo del álbum, con su base dance deforme que se asemeja al trabajo de My Robot Friend; "Shake The Fist" es uno de los temas que mas me voló la cabeza en este disco con influencias de Timbaland en el estribillo y su cita a Todd Rundgreen en la mitad del track ("Antes de que sigamos adelante déjenme mostrarles algunos juegos que hice. Este Juego se llama Sonidos en El Estudio...") sampleando la intro de su disco Something/Anything. "Ready For The Floor" seria el soundtrack perfecto para un sábado en la noche si a este mundo lo gobernaran nerds, con Alexis Taylor cantando como si Woody Allen fuera fanático de Giorgio Moroder y el genial video en el que las referencias a Batman son mas que obvias: Taylor disfrazado de El Guason, bailarinas vestidas á la Dos Caras y la frase "You're My Number One Guy..." similar a la que emplea el personaje Carl Grissom en la versión cinematográfica de 1989 dirigida por Tim Burton. Fue este, su segundo single el que causo cierta confusión en los medios cuando fue anunciado como una canción que los Hot Chip habían escrito especialmente para Kylie Minogue, la banda negó esto aunque si dijeron que seria la mas apropiada del álbum para que interpretara la cantante australiana.

Algunas imágenes del video "Ready For The Floor" dirigido por Nima Nourizadeh quien ya había trabajado con la banda en el video de "Over and Over".

La influencia de sus maestros Kraftwerk se hace notar en canciones como "Bendable Poseable" en donde se cruzan con unos timbales deudores de Tito Puente. Pero si creen que estos muchachos son un par de intelectuales con transistores en vez de corazón se equivocan, y es en canciones como "We're Looking For A Lot Of Love" (deudora del mejor 10cc), "In The Privacy Of Our Love" (gran tema para cerrar un álbum!) y especialmente en "Made In The Dark" en donde se despachan mostrando su lado mas meloso; en esta ultima, la mejor letra que escrita por Taylor según sus propias palabras, el piano nos da la impresión de una Aretha Franklin tocando en la Luna y las guitarras, a ese soul blanco cosecha de Carole King. Un disco recomendado para escuchar con auriculares (como dice Rundgreen en "Shake the Fist") que no decepcionara a los que buscan bucear en esta maraña electrónica.

Escuchá Ready For The Floor.

Descargá el disco Made In The Dark

El Principio De Una Historia Oscura: El Halcón Maltés de John Huston

2008-03-25T00:55:00.003-03:00

La tercera es la vencida, dijo John Huston (Nevada, Missouri 1906), director debutante, que en 1941 realizo para la gran pantalla, la versión definitiva, de la novela El Halcón Maltés, del escritor Dashiell Hammet (St. Mary's County, Maryland 1894).
Hammet creo un personaje, destinado a lidiar con los dilemas que trae su profesión, muchas veces al borde de lo ilegal y casi siempre envuelto en misterios. A través de los nebulosos vidrios, de alguna agencia, hemos asistido al perfil de infinidad de detectives, el mismo había ingresado en la famosa agencia Pinkerton en 1915. Solitarios y mujeriegos, estos tipos, incapaces de mantener relaciones estables, por su afición al peligro, al insomnio de noches violentas, han sido la excusa perfecta para cientos de adaptaciones, desde historietas, series de televisión, dibujos animados y por supuesto el cine.
Las Pulp Magazine, eran publicaciones de bajo presupuesto, surgidas a principio de la década del veinte en los EE.UU, por su calidad de papel, dejaba en evidencia su costo accesible, estas eran fabricadas meramente con la pulpa de la madera, de ahí su nombre. Estas revistas trataban muchas temáticas, desde el western, pasando por la ciencia ficción, el terror, el genero erótico y el policial.
La edición de Septiembre de 1929 de Black Mask, que traía en su interior la primera, de las cinco entregas de El Halcón Maltés, catapulto a la fama, a Dashiel Hammet, logrando la edición en formato de novela, de la historia, pero también un trabajo como guionista en Hollywood.
John Huston y su idea de plasmar fielmente los escritos, para lograr lo que el resto de directores, no había podido lograr, su minuciosa labor de adaptación y la confianza en buenos actores, antes que en celebridades, dieron la estocada final, para el nacimiento de un genero, que reformuló la visión del relato policial. Es la primera vez que veo una película de Huston, nunca había podido apreciar a un actor como Humphrey Bogart, quien interpreta al detective Sam Spade, una joya del cine clásico, pero del que yo no conocía ningún film. Su actuación es impecable, un hombre cínico hasta el tuétano, con una sonrisa falsa, pero sagaz y muy instintivo. La posibilidad de poder dirigir, a gusto y pi acere su opera prima, le dio mucha libertad, tanto al reparto de actores, como al mismo director, la extraña y ambigua interpretación de Peter Lorre (Joel Cairo), la femme fatale, ingenua, pero con muchos secretos y dispuesta a seducir al macho de turno, Mary Astor en el papel de Brigid O' Shaughnessy.
Una mención aparte, merece Sidney Greenstreet (Kasper Gutman), un actor de teatro que debuta aqui, con sus 61 años, como uno de esos malos de celuloide, que a pesar de sus métodos despiadados, e inescrupulosos, se ganan nuestro respeto, un entrañable criminal.
Les recomiendo esta pelicula, para que se den cuenta, como he podido observar a mi manera, la genesis de personajes dispares y formas de narrar, del genero, y su evolución en el tiempo, desde el Juez Dredd, Dick Tracy, pasando por el Hartigan de Sin City, hasta el Perramus de Breccia y Sasturain. Formas de hacer justicia, siempre con eticas y modos propios, perspectivas que nos delimitan, como pensamiento en forma, de voz en off, los contornos de ciudades ominosas, ya sea que la acción suceda en los tiempos del Peronismo, La Señal (07), o en un futuro atestado de replicantes como en Blade Runner(82)

Rocas Rodantes : Como Estamos Hoy?

2008-03-21T12:35:00.001-03:00

Alguna vez se dijo que el rock, estaba muerto, bien sepultado, en estado de putrefacción.
Cuando uno esta harto, cansado de lo que se esta escuchando, cuando ese sonido, se convierte en una tortura china, no hay con que darle. Claro esto te afecta si pensas que la música no es un simple adorno, una guia de instrucciones para un músico de sesión, ni mucho menos un puesto en los charts.
Si esto no te importa y ni siquiera te lo preguntaste, tal vez el rock esta bien muerto, o peor aun, es algún zombie salido de la mente retorcida, de George Romero, ese, el de los muertos vivos. Ahora que lo pienso el rock en algún momento de la historia, se topo con el Dr. Frankenstein, quien le dijo que la única manera, de salir airoso de la tumba, que le tenia reservada el futuro, era mutar en otra cosa y desdeñar lo anterior.
Damas y caballeros, estamos en el siglo xxi, lamentablemente estamos varados en un vía muerta, alimentandonos con comida vencida, de años, si yo me fije en la fecha, esta vencida!.
Nadie se dio cuenta parece, pero desde que allá lejos, hace tiempo, alguien pronuncio la palabra rock' n roll, todos se lo tomaron muy a pecho. Al principio fue claramente una expresión, para definir la euforia, como todas las etiquetas, para identificar algo, claro esto era una revolución musical, propulsada por los negros y su fabulosa manera, de transmitir los ritmos interiores del ser humano. También los blancos lo podíamos hacer, pero ellos sentaron las bases. Se intentaba una comunión, una unión espiritual, un compromiso político en muchos casos, algo imposible, una utopía.
Seguro nadie se acuerda de esto, yo que ni había nacido me acuerdo, bueno en fin, como pasa con todo, los mensajes se transgiversan, te escuchan y luego te hacen repetirlo hasta el hartazgo, las drogas pasaron a ser el centro de atención y no un estimulante, previo a la creación, un desenlace que se repite, en los siguientes capítulos de esta hermosa fabula. No todos los finales son felices, los sueños se acaban, nace algo nuevo, o nos quedamos en el limbo, muchos artistas nos sacaron del tedio, nos abrieron puertas donde no había, gente como Louis Armstrong, Bob Dylan, Chuck Berry, Roy Orbison, Los Beatles, Almendra, Pink Floyd, Los Gatos, Los Abuelos De La Nada, adelantados como Velvet Underground, Silver Apples, David Bowie, Virus, Talking Heads, Sumo, Patricio Rey y Sus Redonditos De Ricota, Soda Stereo, y la lista podría seguir hasta el infinito.
La criatura tuvo muchos nombres, debido a su apetito voraz, las partes de su cuerpo, tomadas de quien sabe donde, lo incitaban a la transgresión, pero su publico deseaba poseerlo contra su voluntad. Con cada transformación, un exceso nuevo aparecía, su corazón seguía bombeando rock y en el camino perdió unos cuantos hijos, como John Lennon, The Rolling Stones ( aunque no físicamente, para mi están muertos hace tiempo), Luca Prodan, Tanguito, algunos cambiaron para bien y otros no.
Hoy en día este adorable monstruo, aunque con sus contradicciones, tiene de quien estar orgulloso, y de quien avergonzarse, quienes tomaron sus enseñanzas y hacen maravillas y quienes repiten formulas y venden a lo loco.
Dejando los chistes de lado, la música es una parte indispensable de mi buen humor, de mi felicidad, si bien el mundo empeoro, lo que me lleva a escribir este manifiesto o como lo quieran llamar, es la necesidad, la noción de saber, que todos los días puedo palpar, la sensacion, de estar viviendo una dictadura de los sentidos, una repetición constante, una mediocridad que lo inunda todo, que me enmudece y me ensordece. Sera por que vivo en el culo del mundo, en el tercer mundo, en esta bendita Argentina.
No hay lugar para sentir nuevas experiencias, la cultura argentina es variada, hay ofertas de todo tipo, pero nada tiene la potencia, para que los jóvenes se identifiquen realmente, todo es muy pulcro, tradicionalista o demasiado fácil y duro, solo los extremos predominan. El rock de finales de los 80's muto en un rock chabón, de hinchadas en los conciertos, de machismo sin sentido, de competencia deportiva, de quien tiene mas huevos que el otro, un absurdo estado de las cosas, la música no es fútbol, ni tampoco una maratón por el premio mayor.
Hay un miedo generalizado a lo diferente, al cambio, una supuesta pose progre, disfrazada de falsedad, de desinterés, el rock como bandera nacional, como si hubiera sido creado en estas tierras.
El rock me hace ruido, como actitud mas que nada, no es el riff o la distorsión de tu guitarra, es lo que tengas que decir, como lo decís, la calidad que le imprimís a eso, ojo!! que esto no es un manual de que y como se debe escuchar música, es mi instinto que me dice, que esto no se soporta. Los dinosaurios del rock argentino nos dicen, de manera subliminal claro, que ya es tiempo, de tomar la posta y seguir el camino, cual?, no tengo la menor idea, si ya se, esto ya lo escucharon antes. Si hay algo que algunos pseudohippies, extrañan del pasado, no es la musica o las bandas en si, sino ese todo que representaban, y que ellos no pueden ni siquiera explicar, una alternativa, antes que un fusil, antes que un discurso vacio, una luz en la oscuridad.

Matame En Camara Lenta!

2008-03-20T02:30:00.002-03:00

Hace poco la publicidad dio una nueva muestra de su poder cuando con la consigna esa "que vuelvan los lentos" (en un comercial de snacks!!!). El hincapié para que cuatro mil calentones se juntaran en el Planetario a bailar juntitos al compas de "(Everything I Do) I Do It For You". Realmente no le veo nada de malo en que vuelvan los lentos, lo malo es lo que puede volver con ellos (toda moda trae una gran desventaja). Volverían a ser hits los temas de gente tan aborrecible como Bryan Adams ó Michael Bolton, los Roxette invadirían la Argentina por cuatrigesima vez, y Rod Stewart recibiría mas prensa que Paul McCartney. Pero viendo el lado bueno es una oportunidad para no tener que bancarse la música (que al menos acá en Rio Grande) me tiene hasta las bolas en los boliches: si no es cumbia villera es música dance llana y reciclable o sino peor, hits del momento remixados. Dejense de joder!!, al menos esta sería una buena oportunidad para que los lentejas (me incluyo) se pongan las pilas de una vez. Sino habría que traer otras modas hasta dar en el clavo, sugerencias?: El Club del Clan!.

(Ctrl + v)

2008-03-20T01:16:00.001-03:00

Que manera de colgarme para hacer la novela grafica de la semana!! Entre una cosa y otra, a todo esto han pasado prácticamente dos semanas... ya odiaba la imagen del leon. Aunque no es la primera vez que nos colgamos con los chicos del blog esta vez me toco particularmente a mí.

La razón probablemente -como me decía Snaporaz- es que uno tarda más en leer "una serie" de comics que en mirar una película o escuchar un disco. Pero también debo confesar que me tarde bastante con la entrada de Cansei de Ser Sexy...

Mucho se ha especulado sobre el rol de los blogs como medio de comunicación (si es periodismo o no, o si a llegado para remplazar al periodismo). Hoy cualquiera puede dar su opinión sobre un tema y es algo maravilloso. Pero mientras investigo para mis entradas me sorprendo de la cantidad de información redundante que hay en internet.
Nuestra idea con los chicos no es la de "copiar y pegar" ¿Que caso tendría hacer un blog con información sacada (tal cual esta) de otros sitios? Por que invariablemente se recurre a otros sitios, God save the Wikipedia!! ¿Pero entonces que tiene de interesante nuestro blog? ¿Por que lo hacemos nosotros? ¿Nuestra redacción?. Por eso cuando encontramos algunas joyitas, como esa entrevista que tradujo Snaporaz del ingles, me llena de orgullo.
Pero me voy a poner las pilas y de acá en mas voy a ver si hago entradas mas seguido, pero actualmente tengo otros intereses (no solo comics) y como me lleva algún tiempo leer para la novela grafica de la semana hemos decidido cambiar la sección a "Novela grafica del mes".
Esto esta bueno por que nos da tiempo a buscar más material para la sección de novelas graficas y no solo lo primero que encontramos. Lejos de querer sonar pretencioso recuerden: "cantidad no es sinónimo de calidad".
Puedo ser demasiado perfeccionista y que eso me juegue en contra, pero quiero hacer las cosas bien. Como decía Gonzo "solo somos principiantes", cuando lo pienso me acuerdo que debo relajarme -enyoguisarme- y meterme en la cabeza de que solo es un blog.

El Fin de La Infancia

2008-03-19T02:52:00.007-03:00

El 12 de febrero se fue Jorge Guinzburg quien para nosotros además de ser un gran entertainer era un tipo de respuestas ingeniosas a preguntas bobas. En la semana me canse de ver como todos los canales se peleaban por ser sus amigos mas cercanos en vida. Nosotros evitamos caer en el común denominador de la mayoría y hacer un voto de silencio. Hoy falleció uno de los grandes genios de la literatura universal: Arthur C. Clarke, y mi silencio se vuelve palabra.

Clarke, fue un tipo que inspiro a muchos maniacos de la ciencia ficción, incluyendo a uno de sus mas fervientes seguidores, Stanley Kubrick con quien juntos le dieron forma a una historia demasiada difícil de explicar en palabras. 2001 Odisea del Espacio (2001 A Space Oddissey), probó con el tiempo ser su novela mas profunda y trascendental; pero obras como El Fin de La Infancia (Childhood's End) poseen una relevancia incluso científica, influenciando teorías como la del Punto Omega y la singularidad tecnológica.

Nacido en Inglaterra en 1917 y fascinado en su infancia con las historias de ciencia ficción (ummm esto lo conozco de algún lado...) comenzó a escribir fabulas a una temprana edad aunque fue con su corta historia de 1948 El Centinela (The Sentinel) con la que produjo un quiebre en el curso de su carrera; de hecho la idea de 2001... se desprende de este relato en el que presenta elementos tanto cosmicos como místicos a su trabajo. La paranoia de ser "El Ultimo Hombre en La Tierra", las sociedades utópicas, la astrología y los avances tecnologicos que en vez de elevar a la humanidad a un nivel superior, la perjudican; son temas abordados en la literatura de Clarke. En ciertos puntos incluso causando un impacto conceptual en el que, esta vez, la humanidad da un paso hacia otro nivel evolutivo.

El asteroide 4923 Clarke fue nombrado en su honor ya que el mas apropiado 2001 había sido asignado a Einstein anteriormente.Clarke falleció en Sri Lanka, el lugar donde residía desde 1956 y de donde nunca quiso volver confinado a una silla de ruedas de por vida. Esto difiere mucho del respeto que yo tenia en Ray Bradbury que aparece de vez en cuando para fotografiarse junto a su amigo George W. Bush y se queja por que Michael Moore use el titulo Farenheit 911 (homenajeando su Farenheit 451) en su documental "anti-administración Bush".

Se fue otro "capo" y como pasa en estas ocasiones, algunos solo valoran sus trabajos cuando ya no están entre nosotros. Desde Emociones Desconocidas nuestros respetos.

En motivo de homenaje que mejor que escuchar una canción que Neil Hannon de The Divine Comedy compuso en su honor: "Arthur C. Clarke's Mysterious World" (2006), nombre que pertenecía a uno de sus shows televisivos y en la cual Hannon compara la extrañas maravillas del programa de Clarke con la extraña (aunque encantadora) personalidad de su novia.

Do you remember that old T.V. show
Arthur C. Clarke's Mysterious World?
Well if I.T.V. make a new series
They ought to come take a look at my girl

I don't understand her
She doesn't make any sense to me
I don't understand her
It's like she's speaking in Swahili.

Do you remember that girl in the early eighties
Allergic to everything
Everywhere that she went in her plastic tent
The doctors tried but they couldn't begin

To even understand her
And it's exactly the same for me
I don't understand her
She is as deep as the Baltic Sea.

Well it's no big deal, I'm not complaining
Sometimes things don't need explaining
She's my angel, that's the main thing
And that is never changing.
She's a mass of contradictions
A pick'n'mix of strange convictions
It can be a source of friction
But there are worse afflictions
Love doesn't make distinctions.

Now to make matters worse she claims the universe
Is expanding like a balloon
But baby if it's meant to be infinite
Then where is it expanding to?!

I don't understand you
You just don't make any sense to me
I don't understand you
You are completely logic free
I don't understand her, no no
She is uncharted territory
I don't understand her
But she's as lovely as she can be

Odio todo "esto"

2008-03-17T20:35:00.023-03:00

Un poco antes de que Warren Ellis creara una serieen donde innovara en uno de los géneros más trillados dentro del comic norteamericano: los superhéroes. Ellis ya se habia consagrado como autor de una de las series mas innovadoras a finales de los 90, desde luego me refiero a Transmetropolitan. Un comic de ciberpunk y ciencia ficción política donde Spider Jerusalem, un afamado y comprometido periodista vive en el bosque aislado del mundo hasta se ve obligado a volver a la ciudad que tanto odia. A lo largo de lo s 60 números que componen esta serie vamos conociendo la "peculiar" personalidad del protagonista, las razones por las cuales había decidido vivir como un ermitaño y la sociedad muy extraña que el tanto aborrece.
Los temas de actualidad sacados de los periódicos como; la televisión basura, la opinión pública, la enajenación social, las sectas, la manipulación genética y de información... Ellis los desmenuza y de una forma dinámica y entretenida construye una alegoría del mundo actual, siempre exagerada pero nunca excesiva. Apoyado en el trazo de Robertson proyecta todo esto a una ciudad futurista que vamos conociendo a través de las columnas periodísticas de Spider Jerusalem.

Descargar Transmetropolitan

El lápiz de Darick Robertson describe de forma brillante este futuro distante y ecléctico, con sucias calles de una enorme metrópolis habitada por personajes freak's, siempre dotando todo de un aire "vagamente familiar" -ya que al igual que el guionista- lo que hace este dibujante es plantearse este futuro como una evolución lógica de la macrourbe actual y se aleja del despliegue fantacientifico gratuito, adaptándose a las exigencias del guión y convirtiéndose en un catalizador de las atmósferas agobiantes de Ellis.

La serie mensual comenzó en 1997 y concluyó en 2002, y luego fue reimpresa en diez volúmenes recopilatorios. Además, la serie contó con dos números especiales (I Hate It Here y Filth of the City) con textos escritos por el personaje de Spider Jerusalén e ilustrados por una amplia gama de artistas del mundo del cómic. Ambos especiales fueron incluidos dentro de los volúmenes recopilatorios.

Según palabras del guionista, la historia necesitaba un periodista irresistible y que fuera divertido de observar, por lo que el punto de partida para crear Spider Jerusalem fue Hunter S. Thompson, el excéntrico periodista de los años 60 que creo el periodismo Gonzo (donde el periodista se involucra y participa en el tema que desea investigar, haciendo de protagonista y catalizador de la acción) Spider Jerusalem es un personaje único; es malhumorado, malhablado y violento… al principio lo empezamos odiando y luego, una vez que entendemos su punto de vista, nos involucra en la historia y nos hace cómplices de su causa. Por que Spider Jerusalem (tal vez en el fondo el mismo Ellis) es un loco que grita a los cuatro vientos que el cielo se esta cayendo y nos muestra a través de sus palabras por que odia todo “esto”.

Cry Baby, Cry

2008-03-17T15:29:00.008-03:00

Con Pretty In Black, su disco del 2005, los Raveonettes demostraron que no eran una banda tributo a The Jesus And Mary Chain a la vez que se apartaron del cliché de las bandas cuyo nombre empezaban con "The"; el álbum no solo incluía invitados de renombre (como Martin Rev de Suicide, Ronnie Spector y Moe Tucker), sino que además se acercaba mas a un sonido comparable a las bandas de chicas de los 60's (de hecho "My Boyfriend's Back" fue popularizada por The Crystals) y grandes olvidados del rock como los Everly Brothers. En Lust, Lust, Lust Sune Rose Wagner y Sharin Foo buscan recuperar la magia que en un principio los hizo tan excitantes y frescos pero sin caer en repeticiones.

Si el anterior disco había defraudado a algunos de sus seguidores tal ves por considerarlo "blando" con este no habrá quejas, dejando de lado las afinaciones en Bb menor y Bb mayor el disco abre con "Aly Walk With Me", el mejor ejemplo de lo que nos espera, con una ola de ruido blanco subiendo hacia el final mientras la banda de Copenhagen llama entre suspiros a la musa del titulo. La producción esta vez estuvo a cargo esta vez del mismo Sune Wagner (voz, guitarras), dejando de lado las sutilezas acústicas de Richard Gotthere (productor de Blondie entre tantos) y retornando a ese sonido tan poco presentable pero fiable de guitarras afiladas y bajos disonantes. La batería de "Hallucinations" trae recuerdos de "Just Like Candy" de Jesus And Mary Chain y la voz de Sharin Foo se acerca al tono de las mejores chanteuse del shoegazing como se puede notar en canciones como "Black Satin", mientras que Sune se luce con un registro vocal mas fantasmagorico en canciones mas lentas como "Expelled From Love" y "My Eyes Closed".

Después de escuchar el disco no hay dudas que los Raveonettes no perdieron el toque entre glamoroso y erótico que los hace tan apetecibles como leer una novela negra de Raymond Chandler, sino que además (para alegría de los fanáticos!!) se embarcaron por la senda de la cual no tendrían que haberse descarrilado. La mejor forma de apreciar este disco grabado a la antigua y con pocos artilugios electrónicos es subiendo el volumen al máximo y dejar que esta nueva pared de sonido discordante (perdón Spector!) nos envuelva. Y ya sabemos que un disco compuesto con lágrimas en los ojos es mas placentero de escuchar que uno compuesto con una sonrisa falsa en los labios.

Descarga Lust, Lust, Lust

La Verdad Esta Allá Afuera

2008-03-12T18:30:00.009-02:00

Desde el año 2003 el sitio de Internet UFO Evidence se ha encargado de dar a conocer todo lo referente a objetos voladores no identificados y compartiendo mi paranoia por los mismos los invito a visitar sus archivos en donde se pueden encontrar numerosos artículos (unos 2.000 para ser exactos), reportes que van desde abducciones hasta avistaje de hombrecitos extraños caminando con total tranquilidad en plazas de Santiago de Chile (!) y bueno, lo que mas nos interesa: una gran cantidad de galerías de fotografías de platillos organizadas por década (antes de 1940 hasta el presente), por región (desde estas pampas pasando por locaciones desconocidas), y hasta incluye fotos tomadas en el espacio por los mismísimos astronautas. Y como rezaba el eslogan de una serie de ciencia ficción de culto: "La verdad esta allá afuera".

Algunas fotos:

La mas vieja hasta la fecha con Ovni en forma de cigarro (invierno de 1870-71).

El ultimo visitante interespacial agregado al sitio (31 de Enero del 2008).

Sitio: http://www.ufoevidence.org/

Créditos: Cabecera, Wendelle Stevens (UFOs at Close Sight (Ufologie.net)); 1870-1871 MUFON (mufon.com), 2008 UFOArtwork.com

Thom Yorke Y David Byrne: Alumno y Maestro en una Charla Unica

2008-03-12T00:10:00.008-02:00

Siguiendo con la locura sembrada por In Rainbows el ultimo disco de Radiohead, que no solo invade los oidos de quienes hacemos este humilde blog, sino tambien la del 99% del planeta Tierra (bue, tampoco para tanto che!); me veo en la agradable obligacion de traerles esta "historica" entrevista entre dos genios quienes con su musica no solo se inspiraron mutuamente sino que tambien inspiraron a centenares de bandas. Les hablo de David Byrne, ex-lider de una de las mejores bandas de los 80's (Talking Heads) y Thom Yorke, lider de la ya mencionada banda de Oxford (quienes a su vez tomaron su nombre de una cancion de True Stories, registrado por la ex-banda de Byrne en 1986).

Esta vez el primero como entrevistador para la revista digital http://www.wired.com/ (publicada por Sasha Frere Jones) y el ultimo como entrevistado. Tarde pero segura, esta transcripcion de la entrevista publicada en diciembre del año pasado demuestra no solo el respeto mutuo entre los dos artistas sino el enfasis que hace Byrne en la estrategia Yorke de lanzar su ultimo album a traves de la red. Sin mas que agregar los dejamos con este encuentro entre estos dos adelantados a su tiempo.

David Byrne, Thom Yorke y El Verdadero Valor De La Musica

Byrne: OK.
Yorke: [A un asistente.] Cierra la maldita puerta.
Byrne: Bien, lindo disco, muy bueno.
Yorke: Gracias. Malvado.
Byrne: [Risas.]
Yorke: Asi es, verdad?
Byrne: Asi es, estamos listos. [Risas.] OK. Empezare preguntandote algunas cosas relacionadas con negocios. Lo que hiciste con este disco no es tradicional, ni siquiera en el sentido de enviar copias de promocion a la prensa y demas.
Yorke: La manera en que lo llamamos es "nuestra propia fecha de filtrado." Cada uno de nuestros ultimos cuatro discos — incluyendo mi disco solista — han sido filtrados en la red. Asi que la idea era, entonces lo filtramos nosotros.
Byrne: Anteriormente habia una fecha de lanzamiento, y copias promionales eran enviadas a criticos con meses de anterioridad.
Yorke: Si, entonces vos llamabas y decias, "Te gusto? Que te parecio?" Y son tres meses de anticipo. Y a mi despues me dirian, "Harias esto para esta revista," y tal vez este reportero lo escucho. Todos estos tontos juegos.
Byrne: Eso es mas que nada por los charts, no? Sobre engancharse al mercado y anticiparse al momento en que salga el album y despues — boom! — vaya a los charts.
Yorke: Eso es lo que hacen los grandes sellos, si. Pero no nos hace bien, porque nosotros no nos cruzamos [a otras bases de fans]. Lo principal fue, hay mucha bronca [con los medios]. Nosotros intentamos evadir todo ese juego de quien llega primero con las reseñas. En estos dias hay tantos papeles para llenar, o papel digital para llenar, que al primero que escribe las primeras palabras despues se las copian y pegan los demas. Quien sea que tenga la primera opinion tiene todo el poder. Especialmente para una banda como la nuestra, totalmente es la suerte de la nota la que hace que la persona se interese en nosotros o no. Simplemente me parece salvajemente injusto, creo yo.
Byrne: Asi que esto pasa por encima a todos estos criticos y va directo a los fans.
Yorke: En cierta forma, si. Y fue emocionante. Nosotros lo masterizamos, y dos dias despues estaba en nuestro sitio siendo, tu sabes, comprado. Esas fueron unas cuantas semanas realmente excitantes, tener esa coneccion directa.
Byrne: Y dejar a la gente elegir su propio precio?
Yorke: Esa idea fue de (el manager) Chris Hufford. Todos pensamos que estaba chiflado. Mientras poniamos el sitio, nos seguiamos diciendo, "Estas seguro de hacer esto?" Pero fue muy agradable. Nos libero de algo. No era nihilistico, implicando que la musica no tiene valor. Era una oposicion total. Y la gente lo tomo como debia. Tal ves era la gente teniendo un poco de fe en lo que haciamos.
Byrne: Y eso funciona en tipos como vos. Tienes una audiencia preparada. Como yo — si escucho que hay algo nuevo de ustedes afuera, solo voy y lo compro sin que me moleste lo que las criticas dicen.
Yorke: Bueno, si. La unica manera con la que nos podemos salir con la nuestra, la unica razon por la que a la gente no le importa una mierda, es el hecho de que nosotros pasamos por toda la rueda del negocio en primera instancia. No se supone que sea un modelo para nada mas. Simplemente fue una reaccion a una situacion. Se nos acabo el contrato. Tenemos nuestro propio estudio. Tenemos este nuevo servidor. Que demonios debemos hacer? Esto era obvio. Pero solo funciona para nosotros por el lugar en el que estamos.
Byrne: Y que de las bandas que recian empiezan?
Yorke: Bueno, primero y antes que nada, no firmes un gran contrato discografico que te arranque todos tus derechos digitales, asi entonces cuando vendas algo en iTunes obtendras absolutamente nada. Esa seria la primera prioridad. Si sos un artista emergente, puede ser aterrador al principio. Entonces, no veo una baja para nada en las grandes compañias disqueras en no tener acceso a nuevos artistas, porque no tienen idea de que hacer con ellos ahora de todas maneras.
Byrne: Debe ser una carga para sus cabezas.
Yorke: Exactamente.
Byrne: Me preguntaba a mi mismo: Porque juntar estas cosas — CDs, albumes? La respueste a la que llegue fue esta, bueno, a veces es artisticamente viable. No es solo una coleccion de canciones al azar. A veces las canciones tienen una trama en comun, incluso si no es obvia o incluso consciente en la parte del artista. Tal ves es porque todos piensan musicalmente de la misma manera por ese par de meses.
Yorke: O años.
Byrne: El tiempo que tome no importa. Y otros momentos, hay un obvio...
Yorke: ... Proposito.
Byrne: Correcto. Probablemente la razon es porque es un poco dificil escapar del formato de album por completo, si reunes una banda en un estudio, tiene sentido financiero hacer mas de una cancion a la vez. Y tiene mas sentido, si atraviesas por el esfuerzo de actuar y hacer lo que sea que hagas, si hay una especie de bulto.
Yorke: Si, pero lo otro es lo que ese bulto puede hacer. Las canciones pueden amplificarse entre si sí las pones en el orden correcto.
Byrne: Sabes, mas o menos, donde viene tu aporte? Para mi, probablemente tiene muy poco que ver con la musica en si o la venta de discos. Tiene poco que ver con las giras y mas probablemente con cosas de licensias. No para comerciales — Yo licensee para filmes y programas de television y ese tipo de cosas.
Yorke: Correcto. Nosotros hacemos algo con eso.
Byrne: Y para algunas personas, la carga de salir de gira es realmente baja, asi que se preocupan mas en eso que en otra cosa.

Yorke: Siempre que nos embarcamos de gira decimos, "Esta vez, no vamos a gastar el dinero. Esta vez lo haremos desde abajo." Y entonces despues, "Oh, pero necesitamos este teclado. Y estas luces." Pero en el momento hacemos dinero principalmente de las giras. Lo cual es dificil de reconciliar para mi porque no me gusta toda lo sonsumicion de energia, los viajes. Es un desastre ecologico, viajar, hacer giras.
Byrne: Bueno, hay autobuses biodiesel y todo eso.
Yorke: Si, depende de donde consigas tu biodiesel. Hay formas de minimizarlo. Hicimos una de esas cosas de huellas de carbon recientemente donde evaluaron el ultimo periodo de giras que hicimos y trataron de descifrar donde estaban los mayores problemas. Y era obvio que eran todos viajando a los shows.
Byrne: Oh, te refieres al publico.
Yorke: Si. Especialmente en Estados Unidos. Todos conducen. Asi que como carajo vamos a manejar todo eso? La idea era tocar en lugares municipales con algun sistema de transporte alternativo a los autos. Y minimizar equipos de vuelo, de barcos, de todo. Incluso aunque nosotros no podamos navegar.
Byrne: [Risas.]
Yorke: Si subes al Queen Mary o lo que sea, eso es incluso peor que volar. Asi que volar es tu unica opcion.
Byrne: Estas ganando dinero con las descargas de In Rainbows?
Yorke: En terminos de ingresos digitales, hicimos mas dinero con este disco que con todos los otros albumes de Radiohead juntos, desde siempre — en terminos de cualquier cosa que haya en la Red. Y eso es loco. Es en parte debido al hecho de que EMI no nos daba nada de dinero por las ventas digitales. Todos los contratos firmados en una cierta erano tienen nada de eso.
Byrne: Entonces cuando el disco salga en su forma fisica en Enero, contrataras tu propia firma de marketing?
Yorke: No. Se esta volviendo un poco mas tradicional. Cuando se nos ocurrio la idea, no ibamos a hacer un CD fisico normal para nada. Pero despues de un tiempo fue como, bueno, eso son solo esnobismos. [Risas.] A, eso es buscar problemas, y B, son esnobismos. Asi que ahora hablan de pasarlo en la radio y ese tipo de cosas. Supongo que eso es normal.
Byrne: Estuve pensando sobre como la distribucion y las tiendas de discos y todas esas cosas estan cambiando. Pero estamos hablando sobre musica. Que es musica, que hace la musica por la gente? Que obtiene la gente? Para que es? Esa es la cosa que esta siendo intercambiada. No todo lo demas. Lo demas son los carritos de compra que cargan con algo de eso.
Yorke: Es un servicio de entrega.
Byrne: Pero la gente seguira pagando para tener esa experiencia. Creas una comunidad con la musica, no solo en los conciertos sino tambien hablando con tus amigos sobre eso. Al hacer una copia y pasarsela a un amigo estableces una relacion. Pero eso implica que no estan obligados a darte nada a cambio.
Yorke: Si, si, si. Estaba pensando mientras contabas eso: como una compañia discografica mete sus manos en eso? Me hace pensar en el libro No Logo donde Naomi Klein describe como la gente de Nike le paga a tipos para juntarse con chicos en las calles. De hecho sé que las compañias mayores hacen lo mismo. Pero nadie me explico nunca exactamente como. Quiero decir, se meteran en los foros de discusiones diciendo "Has escuchado de..?" Tal ves lo hacen. Y despues estaba pensando en esa pelicula de Johnny Cash, cuando Cash sale con eso de "quiero hacer un disco en vivo en una prision" y su sello piensa que esta demente. Incluso en ciertos momentos era posible entender de alguna manera lo que los chicos querian y se lo daban a el. O tal vez no. Creo que hay mucha falta de comprension. No se trata de quien esta robando de quien, y no es sobre acciones legales y no se trata de DRM y todo ese tipo de cosas. Es sobre si la musica te afecta o no. Y porque te preocuparias por un artista o una compañia yendo detras de la gente copiando su musica si la musica misma no es valorada?
Byrne: Estas valorando el servicio de entregas como lo opuesto a la relacion y la cosa emocional...
Yorke: Vos estas valorando la compania o el interes del artista antes que la musica misma. No lo se.Siempre fuimos un poco ingenuos con eso. No tenemos otra alternativa para estar haciendo esto. Es lo unico obvio para hacer

Fuente: www.wired.com

Batman Es Japones

2008-03-10T07:43:00.012-02:00

Así es amiguitos, desde hace rato un rumor sobre una futura película al estilo anime sobre el paladin de Gotham da vueltas en la red (por ese entonces con el ingenioso titulo de "Batman Anime"); pero eso es ya basura del pasado ya que el 8 de Julio de este año saldrá al mercado japones Batman: Gotham Knight. De que va este DVD? bueno, es una serie de 6 cortos, que se asemeja bastante a lo que hicieron los Wachowski alla por el 2003 con Animatrix, en este caso la serie se ubica después de Batman Begins y antes de la muy esperada The Dark Knight. Entre los encargados del proyecto se pueden vislumbrar nombres como los de Josh Olsen ("Una historia de violencia"), el guionista de "Batman Begins", David S. Goyer, Alan Burnett (de Batman: The Animated Series) y el ya conocidisimo Brian Azzarello. A través de las distintas historias se podrá saber un poquitin mas sobre el ya gastado cuento de la transformación de Bruce Wayne en el "Caballero de La Noche" esta vez incluso con algunos villanos como Scarecrow (ó Espantapájaros que espero esta vez lo reivindiquen después de su paso por Batman Begins!!), Killer Croc y el menospreciado Deadshot.

La producción correrá por parte de los estudios 4C, Production I.G y Madhouse, e incluirá el trabajo de Shojiro Nishimi, Futoshi Higashide, Hiroshi Morioka, Yasuhiro Aoki y Toshiyuki Kubooka.

Seguís lloriqueando por que no podes conseguirlo acá?, y eso que todavía no viste los extras del DVD, que incluyen un jugoso documental titulado "A Mirror for the Bat: The Evil Denizens of Gotham City" (algo así como Un Espejo Para El Murciélago: Los Malvados Habitantes de Gotham City) en donde analizan la paradójica simbiosis entre la personalidad del encapuchado y la de los nefastos personajes de la oscura ciudad; además de un recorrido por la vida del gran Bob Kane (creador de Batman) en "Batman and Me a Devotion of Destiny: The Bob Kane Story". A esperar se ha dicho pero mientras tanto como somos buenitos :) les traemos algunas imagenes de lo que se pierden (bueno... nos perdemos).

Para Coleccionar

2008-03-08T23:13:00.006-02:00

Se acuerdan del Coffee & Tv de Blur?, ese video en el cual el guitarrista, Graham Coxon se iba de su casa, y quien lo salia a buscar, no era su viejo, sino una pequeña caja de leche con su rostro impreso, en una de sus caras. Las cosas no terminaban del todo bien ,y aunque Coxon volvia con su familia, el muy garca le da muerte a su salvador, tirandolo en un tacho. Nuestro diminuto amigo finalmente se va al cielo, con su amiga asesinada pocos minutos antes, por el zapato de un transeunte.
No todos los finales son felices, ustedes pueden revivir, con la ayuda de una impresora, una tijera y pegamento a estos adorables seres, bueno aca van las figuras para armar. Suerte!!!!

Hardcore para bailar

2008-03-05T20:45:00.021-02:00

Cansei de Ser Sexy (también conocidos como CSS), son una banda de São Pablo, Brasil, formada en el 2003. Los miembros de la banda son Lovefoxxx (voces; nombre artístico de Luísa Hanaê Matsushita), Adriano Cintra (batería, guitarra, voces y producción), Luiza Sá (guitarra, batería y sintetizador), Ana Rezende (Bajo y armónica), Iracema Trevisan (batería) y Carolina Parra (guitarra y batería).

Mientras LoveFoxx miraba una entrevista por la tele, en una de las declaraciones Beyonce decía que estaba “cansada de ser sexy” (Cansei de Ser Sexy, en portugués), frase que les pareció a los de CSS bastante tonta, y luego se convertiría en el nombre de la banda.

Después de sus dos EPs - Em Rotterdam Já é Uma Febre (distribuido apenas para amigos) y A Onda Mortal / Uma Tarde Com PJ (vendido en tiendas de São Paulo) - En 2005 firmaron con la productora Trama. Así salieron el álbum homónimo y del EP CSS SUXXX (éste vendido en shows y por Internet). El grupo empezó a destacar al crear un fotolog (blog de fotos), y rápidamente llamaron la atención del periódico Folha de São Paulo, donde recibieron buenas críticas de Lúcio Ribeiro y Érika Palomino. En 2004 fueron la atracción principal del Tim Festival, tocando antes de los 2manydjs y en el mismo escenario que Kraftwerk.

"Nosotros no teníamos ninguna expectativa", dice Lovefoxxx, metida en sus calzas tipo Karen O. "Siempre bromeamos que debemos haber muerto en un accidente automovilístico y estamos en coma.

El álbum tuvo una distribución nacional con la ayuda de diversos medios, e introdujeron una propuesta innovadora, en una edición limitada, que consistía en incluir un CD-R en la misma caja.
Con esto intentaban que el comprador pasase las canciones al ordenador y grabase el contenido en el CD-R para presentárselo a algún amigo,consiguiendo de esta forma una rápido difusión a través de Internet. En 2006 la banda firmó un contrato con la mítica productora Sub Pop para lanzar su primer álbum en los Estados Unidos, Europa e Japón, una grabación de once canciones propias del grupo en inglés, que se encuentran en el EP CSS SUXXX y del álbum Cansei de Ser Sexy.

Su música encabeza una pequeña (pero llamativa) explosión de bandas pop-chicle deudora de nombres como Bananarama y Go-Go’s. ¿Ingredientes? Guitarras crujientes, sintetizadores beats disco.

Descargar Cansei de Ser Sexy

Podríamos describir (…) a CSS como una especie de “Hardcore” bailable, tanto por la potencia de las canciones (Patins, Art Bich, Off the Hook), como por sus explicitas letras (Art bitch) o por esos orgásmicos coritos (Meetig Paris Hilton). Otras de las llamativas canciones son; la pegadiza Alala Alala y el tema disco/dance “Let’s Make Love and Listen to Death from Abobe” con la cual es dificil no ponerse a saltar.
Su provocativa propuesta toma con sarcasmo esa parte de la cultura pop tan frívola y superficial, y cínicamente la desprecian. Aunque sin ser demasiado serios, después de todo, las chicas solo quieren divertirse… y bailar.

Lo que es estar al pedo!!

2008-03-04T05:20:00.002-02:00

Esta entrada les puede parecer media boluda (incluso a mis colegas) pero seguro que se van a embobar un rato con esto: Es un traductor de R2D2 (ó "Arturito", como algunos siguen llamándolo por estas pampas!); si! el robotito de Star Wars con forma de Koh-i-noor volvió!!! pero esta vez en forma de traductor. Y bue.. lo que es estar al pedo.

El codiciado link: http://www.r2d2translator.com
Escriban cualquier pelotudez y "Artu" retruca je!

Una Vision Inspiradora: La Jetée de Chris Marker

2008-03-04T00:52:00.005-02:00

La fotografia es un medio perfecto, en su afan de captar la esencia del momento. Su aparicion permitio que el artista, finalmente se sacara la obsesion de reproducir su entorno, haciendo el mismo de dios, con este aparato solo hacia falta, mirar a traves de un orificio y hacer click!. La plasticidad de la pintura, fue en el Renacimienmto, el nexo entre el hombre y Dios. Las inquietudes fueron otras, las corrientes tomaron diferentes nombres, Barroco, Manierismo, Romanticismo, Impresionismo, Expresionismo, etc.
Este medio fabuloso, que nos permite poner el dedo en el obturador y congelar ese instante del tiempo, solo visto por nosotros de esa manera, es la base tecnica de otro gran invento, el cinematografo. Esta reseña no, pretende ser teorica, ni abarcativa de un periodo de la historia del arte, de principios de siglo xx, sino mas bien un acercamiento a la experimentacion.
La relacion obvia y palpable entre el cine y la fotografia, a traves de un artista hasta hace poco desconocido para mi, Chris Marker, cuyo nombre verdadero es Christian François Bouche-Villeneuve (Neuilly-sur-Seine 1921), escritor, fotógrafo y director de cine francés, un rara avis, dentro del mundo del cine, casi desconocido y esquivo en sus apariciones.
La expresividad de Le Jetée (1962), su cortometraje de ciencia ficcion, realizado unicamente con fotografias, nos da la oportunidad, de asistir al punto exacto en el que, la imagen estatica se convierte en movimiento y viceversa. La poetica de sus imagenes, llevan el cauce de la narracion, por un mundo posapocaliptico, donde el periplo de su protagonista por el tiempo, se reduce a un encuentro entre dos almas perdidas. Sin la necesidad de efectos especiales, ni artificios propios de la epoca, que le habrian quitado a esta pieza visual, su potencia. Marker nos regala 28 minutos. tan solo 28 minutos, para demostrar el poder que tiene la imaginacion, cuando vemos el mundo a traves de la lente de una camara.

Somos Principiantes

2008-03-03T16:25:00.004-02:00

Perdonen los retrasos, somos principiantes; se habran quedado sin ideas!, no hay comentarios, y se ofendieron!, de ninguna manera, es el tiempo que corre veloz, sepan disculpar las molestias. Estamos con muchos proyectos, con el correr de los meses, el blog va ir tomando mas forma.
Espero hayan podido disfrutar, de la peli y disco de la semana, pronto habra mas opiniones y material, artistas como Cansei De Ser Sexy, filmes o experimentos visuales de diversa indole, como Le Jetée de Chris Marker, Historietas como Transmetropolitan y mucho mas.

Radiohead y El Futuro De La Musica

2008-02-26T22:09:00.006-02:00

En 1999, nada me interesaba mas, que dibujar y dibujar, pero tenia resabios, algunas imagenes difusas y sonidos en mi cabeza, era un niño cuando estallo el britpop, y el grunge se desvanecia con la muerte de Kurt Cobain. Pero recordaba algunas cosas, la imagen en technicolor del, Heart Shaped Box de Nirvana, un videoclip que sencillamnte se te quedaba, grabado en tu retina, el logo de Mtv, canciones que no sabia de donde venian, ni quienes eran, sus responsables, un Bowie por aqui, un Spinetta por alla, algo de Duran Duran.
Recuerdo estar en reuniones familiares, o en cumpleaños, con mi primo sentados frente a un parlante, cantando las canciones que el ocasional dj, habia seleccionado, asi pasaban melodias prefabricadas, cantantes de dudosa reputacion, idiotas melosos, predicadores del cachondeo, todo lo que uno podria encontar, en cualquier radio, a cualquier hora.
Entre tanta cosa pasajera, de vez en cuando, habia algo que realmente me sacudia, pero era demasiado ingenuo para saberlo.
A finales de la decada del noventa, Red Hot Chili Peppers lanzaron Californication, y Around The World, uno de sus primeros cortes de difusion, significo el cachetazo a mi conformismo, con respecto a la musica.
El auge de internet, los cd's virgen, dieron el puntapie inicial, para que mucha gente, accediera a infinidad de artistas, asi circulaban copias truchas, de cualquier cosa, compilados, discografias enteras en un solo disco. Entrado el nuevo siglo, el canal de musica que mas se veia, seguia siendo Mtv, pero la pelotudez paulatina, de sus directores en Latinoamerica, fue virando el target, hacia el reality show, la frivolidad ya era moneda corriente, y esos separadores que te volaban la peluca, fueron mermando, llegaron las cucarachas gigantes, los weekends cada vez menos interesantes y los vj mas pendejos y boludos. A traves de una compañera de la secundaria, me llego como caido del cielo, Ok Computer de Radiohead.
Lo unico que recordaba, de esta banda, era la guitarra de The National Anthem, cancion incluida en Kid A (00). Fue tal mi fascinacion con este disco, que no solo lo grabe, le fabrique mi propio librito, con la portada y en el transcribi sus letras, tal cual estaban escritas, me parecia y aun hoy me parece, una pieza de arte perfecta, que no pudo haber sido hecha en otra epoca.
Desde el comienzo, Radiohead demostro ser un bicho raro, fiel a sus convicciones, siempre hicieron lo que quisieron, desconcertando a sus fans, y a la critica por igual. Con Pablo Honey (93), dejaron bien en claro, que no les interesaba el estrellato, a pesar de la coloracion britpop, de sus primeros videos. Aun asi, ya se veian los rasgos distintivos, el sonido melodiosamente distorsionado, los movimientos de cabeza de Thom Yorke al cantar, el cuelgue de Jonny Greenwood, expresiones en lo visual, que serian reconocibles en el futuro. Demas esta decir, que las letras de Yorke, nos llevan de viaje, a traves de nuestros temores, paranoias, inspeccionan los miedos, y la angustia del ser humano, claro tambien la confusion de estar enamorado, la desazon de ser hermosos perdedores.
Cinco años despues, de la vuelta a las guitarras con Hail To The Thief (03), y luego del vitaminico descanso electronico, de Thom Yorke con The Eraser (06), habia ciertas dudas, acerca del futuro inmediato de la banda, sin embargo la retirada hubiera sido triunfal, despues de una serie de discos, que no defraudaron, a quienes creemos que la musica, es una busqueda constante, y la repeticion una anestesia.
Con una industria musical, tambaleante por la enorme posibilidad, de la descarga gratiuta, surgen opiniones a favor y en contra, con la perdida economica que supone para el artista, pero tambien el afano sistematico, con precios exorbitantes para el usuario, la situacion es extraña. La desicion de Radiohead, de subir a la red, su nuevo trabajo In Rainbows, y de darle la chance por primera vez, al comprador de poner el precio, significa un salto sin precedentes.
Utilizar la red como medio de promocion, no es nada nuevo, ya que hay sitios, de descarga gratuita, y plataformas como myspace, donde el artista, puede darse a conocer, sin la necesidad de sacar un album a la calle. El hecho de comprarse un cd, es todo un ritual, el arte de tapa, si es bueno muchas nos incita a la compra, si tiene las letras mejor, particularmente me gusta oler el papel, estas son cuestiones, que hacen a la cultura de la musica, sin embargo el contenido es lo primero y cuando el dinero escasea, tenemos que recurrir a otros metodos.
Locos lindos, humildes y con onda, cultores del sonido, cuando el espiritu habla a traves de una maquina, resulta dificil no conmoverse. Ciertamente, una banda con honestidad brutal, originales y camaleonicos, oscuros y sublimes, Radiohead ha sabido captar las frecuencias, de mundos externos, de manera precisa y esquizofrenica. Encontraron en la red de redes, el modo de no repetirse, y de seguir siendo ellos mismos. Junto con una serie de videos caseros, en los ultimos meses, abrieron las puertas de su estudio, para que podamos palpar, la intimidad, la cotidianeidad, del quinteto de Oxford. la salida oficial de In Rainbows, fue un exito de ventas, esto es democracia, pese a quien le pese.

Fabula de una Cronica Contemporanea

2008-02-16T22:23:00.047-02:00

A veces necesitamos mirarnos desde afuera para comprender las cosas que nos superan y que son bastante complejas. Pride of Bagdad (Orgullo de Bagdad) se basa en un hecho real, la vida de 4 leones que escapan del zoologico de Bagdad durante el bombardeo a Irak en el 2003. La historia esta narrada a travez del punto de vista de estos animales y nos convierte en testigos ajenos del desastre, centrandonos más en los problemas de esta "manada" de como buscar alimentos o intentar comprender lo sucedido, vemos los distintos puntos de vista de estos "leones humanos" de como superar las dificultades y su relacion con otros grupos.
Con el conflicto armado como fondo, el autor inteligentemente, deja que el lector sea el que realice las lecturas que desee y va construyendo asi una fábula de una tragedia contemporanea.

El guionista Brian K. Vaughan ha ganado un premio Eisner (algo asi como el oscar del comic) y es autor también de “Y: el último hombre” o “Ex Machina”. Tambien es digno de mencion el trabajo del dibujante Niko Henrichon (Barnum; The Sandman Presents: Taller Tales), en Pride of Bagdad resulta notable la capacidad, a travez de su lapices, de "humanizar" los protagonistas felinos a travez sus expresiones y las screen page que describen habilmente tanto hermosos como desoladores paisajes de la ciudad, que si bien no es nada nuevo, en este comic por su tematica, toma caracter documental.

Ya desde el titulo que es un juego de palabras (pride significa tanto manada como valor), Brian K. Vaughan y Niko Henrichon nos hacen reflexionar de si no somos una manada de leones hambrientos y confundidos en busca de la libertad.

Título: Pride of Bagdad

Guión: Brian K. Vaughan

Dibujo: Niko Henrichon
Edita en español: Planeta DeAgostini

136 paginas

Descargar Pride of Bagdad

2008-02-15T00:52:00.003-02:00

Despues de 5 Años

Despues de un tiempo, vuelvo a pintar, con ayuda de unos amigos. Un verdadero parto, la pintura se chorrea, no podes diluir sin evitar un desastre, el producto se convierte en una especie de latex, no les recomiendo, el esmalte sintetico para un laburo como este, pero bueh!, el resultado es satisfactorio, pero agotador, igual es solo una muestra.
Admiro el aguante, de Miguel Angel Buonarotti, para pintar la capilla sixtina, perdoneme pero paso!!!

El nuevo Comic Negro

2008-02-10T18:09:00.001-02:00

100 Bullets (o 100 balas) es un comic que actualmente se publica a travez del sub-sello de DC comics Vertigo, en donde se le da mas libertad creativa y esta apuntado a un publico adulto.
La historia de Brian Azzarello gira en torno a una premisa simple pero que con el correr de los numeros va elaborando una trama mucho mas compleja; la vida de varios personajes se ve alterada cuando se presenta un misterioso personaje -el agente Graves- quien les entrega un maletin con pruebas de alguien que les arruino la vida, un arma y 100 balas con las que se pueden vengar con total impunidad, nadie hace preguntas. Pero quien es Graves, cuales son las motivaciones, y por que les entrega el maletin a determinados personajes resulta un misterio. En el va girando 100 bullets a lo largo de sus hasta ahora publicados 84 numeros, donde se van tirando pistas del eminente final planeado para el numero 100.
La narración resulta agil pero solida con dialogos muy elaborados y toca varios topicos del cine negro: entre ellos bandas callejeras, casinos, periodistas, policias corruptos, mafia, detectives, etc. Eso si en forma mucho mas contemporanea, a lo Spike Lee y Tarantino.

Portada del numero 84, el ultimo
sacado en USA.

El argentino Eduardo Risso ilustra magistralmente este comic con un trazo simple, casi minimalista. Los juegos de luces y sombras recuerdan un poco a los de Frank Miller, sin quitarle esto un estilo que le es propio.
Una vez mas la linea de Vertigo nos sorprende con una historia adulta, entretenida lejos de los cada vez mas repetitivos superheroes, demostrandonos que el comic -un medio no tan "comico"- da para mucho mas que trajes ajustados de colores o colegialas niponas.

100 Bullets, Actuálmente en publicación en EEUU, por la linea Vertigo de DC
Género: negro en el cómic (si es que existe)
Guion:Brian Azzarello
Dibujo: Eduardo Risso
Color: Grant Goleash y Patricia Mulvihill

Descargar 100 Bullets #01

El Ayer No Esta Más

2008-02-10T03:45:00.000-02:00

Seguramente para cualquier persona allegada a la historia de los Buzzcocks le sorprendera mucho escuchar un disco como Homosapien de Pete Shelley, su ex-lider, y hasta puede confundirlos. Y es que hay una gran brecha estilistica entre el Shelley acompañado y el solitario. Para mi este disco es un verdadero tesoro o mejor aun, una pagina olvidada entre tanta frivolidad ochentosa, la cual sigue siendo para muchos una decada llena de peinados raros, hair metal y one hit wonders.

Adelantado a sus compañeros de banda Shelley registro estas canciones en solitario (originalmente planeado como el cuarto album de los Buzzcocks) en los estudios Genetic bajo la producción de Martin Rushent, conocido por su trabajo en Dare! de The Human League. Felíz con los resultados Pete abandono su antiguo traje punk y lanzó esta obra maestra del pop electronico, brindando su unico gran hit en el Reino Unido (el del titulo) y causando alguna que otra controversia y posterior censura por parte de la BBC. Los mismo alegaban que la cancion Homosapien hablaba explicitamente de sexo gay (por ejemplo las lineas: "Homo Superior, in my interior..." ); el mismo Shelley se vio forzado a dar una explicacion llegando a confesar su bisexualidad. Hace poco la cancion volvio a las radios cuando algunos criticos acusaron al North American Scum de LCD Soundsystem de "robarle" su sección ritmica y usarla en el estribillo.
El disco en sí rebosa de buenas canciones como Keat's Song, con esos colchones de sintetizadores y ese riff que nos recuerdan de que banda salio este musico, ahora metido en un disfraz de Gary Numan; I Generate A Feeling con su estribillo mantrico y Pusher Man inspirada tanto en I'm Waiting For The Man de la Velvet como por The Pusher de Steppenwolf. En fín: un disco con el que no solo se encontraran con diversos matices sonoros sino tambien uno con el cual podran exorcizar algun que otro prejuicio respecto a la musica de dos decadas atras.

Descargar Homosapien

Una mirada a la oscuridad: Control de Anton Corbijn

2008-02-09T20:07:00.002-02:00

La mayoria de nosotros, accedio a la musica de Joy Division, a traves del relato de la tragedia, en este sentido giraba, la vida de Ian Curtis, (Manchester 1957). El punk significo un rechazo, a lo establecido anteriormente, tanto en la musica como en la sociedad, tambien la perdida de los sueños, las utopias y el ascenso de la desesperanza. Segun mi punto de vista, ninguna banda de la explosion 77, logro captar, de manera tan precisa, el clima de la epoca, el nihilismo, el desprecio, la perdida de humanidad, que expresaba el ingles medio.
Anton Corbjin nos trae, a diferencia de 24 Hour Party People (Winterbottom 2004), una vision mas amplia, de la personalidad, los anhelos y la mirada del mundo, que tenia Ian Curtis, claro 24... era una pelicula semi documental, con tintes de comedia, sobre Tony Wilson, dueño del sello The Factory y del club The Hacienda, que reproducia las actuaciones en vivo, de las bandas de su catalogo. Director de videoclips, en los tempranos ochenta, Corbjin recrea con supervision, de los ex Joy Division, ahora New Order, los momentos de ascenso y caida de la banda, la potencia en vivo, y las frustraciones y problemas de salud que llevaron a su lider al conocido desenlace, su suicidio, el 18 de Mayo de 1980.
Control es una buena oportunidad para conocer a Joy Division y para entender la mente de una persona afectada por su entorno.

Porqué?... Y Porqué No?

2008-02-04T01:24:00.000-02:00

Basicamente la idea del blog, es la comunicacion con el resto, a traves de cosas q nos gustan, que nos gustaron siempre y nos gustan hace un tiempo, no vamos a teorizar sobre el arte, no somos academicos, ni estudiamos para esto, simplemente nos llega y creemos q si ustedes, no se dan el tiempo para escuchar, ver, y deleitarse, algo esta mal. Tratamos de no tener prejuicios, y de entender mas alla, de nuestras propias limitaciones; el no entiendo!, el no me gusta! (sin siquiera haberlo visto o escuchado), no tendria q impedirles, pasarla de puta madre!!!
Q mas puedo decirles, creo q ya saben q ciertas cosas, van mas alla de los nacionalismos, del idioma, del color de piel q tenga uno, de su religion, dejense de joder y abran sus cabezas, no pierden nada.